HEART OF THE SEA

Due uomini dal carattere molto diverso, uno meditativo, l’altro più schiettamente irruento, entrano in competizione tra loro. No, non è la trama di Rush, incentrato sull’eterna rivalità tra James Hunt e Niki Lauda, ma potrebbe esserlo. Cambia l’ambientazione (dal mondo della Formula 1 a quello di chi va per mare alla ricerca del prezioso grasso di balena), l’epoca (dagli anni ’70 alla prima metà del diciannovesimo secolo), praticamente tutto, a parte regista (sempre Ron Howard), alcune maestranze e protagonista (il prestante ma non così espressivo Chris Hemsworth), ma il confronto tra due differenti personalità resta centrale. A unire i due protagonisti la determinazione e il rispetto reciproco, a separarli l’appartenenza sociale (uno proletario, l’altro aristocratico) e il conseguente e spesso antitetico binomio talento / potere: chi avrebbe la capacità di comandare la baleniera Essex non ha gli appoggi giusti per farlo. È questo uno degli aspetti più interessanti di un’opera che affronta un soggetto ricco di possibili spunti (non la messa in scena di “Moby Dick”, ma la storia della genesi del romanzo di Melville) senza però riuscire a cavalcarli, a causa di un andamento pedestre e privo di nerbo. Di Ron Howard si dice che sia il più americano dei registi americani, cantore di un’epica d’altri tempi ben ancorata alla tradizione, anche del cinema, dove cadute e risalite dei personaggi puntano comunque all’eroismo e all’entrata nel mito. La messa in scena di Howard non si distingue mai per originalità e tutte le sue opere sono accomunate da un solido anonimato. Impossibile riconoscere un suo tocco personale, se non, a volte, e ragionandoci, nell’esposizione dei conflitti, sempre centrali nella sua visione. Un cinema onesto, quindi, da parte di un regista prima di tutto professionale, ma il più delle volte incapace di andare davvero in profondità e oltre convenzioni e stereotipi del genere affrontato. Tutti aspetti che si riscontrano puntualmente anche in Heart of the Sea. Non manca, infatti, tutto l’armamentario marinaresco che ci si aspetta: battute di dialogo iper-tecniche (è un continuo ripetersi di “mollate i parrocchetti”, “alzate i coltellacci”), simboli (l’immancabile medaglione lasciato dalla moglie al marito prima della partenza), amicizie e solidarietà virili, afflato mistico, il senso dell’onore prima di tutto, e, ovviamente, codate di capodogli a gogò. Niente di tutto ciò, però, nonostante l’enfasi con cui è distribuito sullo schermo, è in grado di lasciare traccia.

L’ossessione nei confronti della gigantesca e invincibile balena bianca, la deriva psicologica e fisica dopo giorni di continue privazioni, sono solo tappe tra le tante, tessere di un puzzle troppo grande da completare. Impossibile scomodare il Leviatano e il suo caos primordiale, non c’è né modo né tempo. Non favorisce il coinvolgimento l’inevitabile coralità che schiaccia i singoli caratteri a favore di una visione d’insieme tanto equilibrata quanto anestetizzante. La fotografia dai colori desaturati, di chiara derivazione pittorica, cerca un perché nella stilizzazione delle sequenze di azione tra i flutti, ma l’abuso di computer grafica produce uno straniamento che potrebbe scomodare l’aggettivo postmoderno, ma finisce soprattutto per creare distacco e impedire stupore e partecipazione. A perderci è principalmente il senso delle proporzioni, della gigantesca balena bianca non si percepiscono mai la grandezza, la forza, la possenza, il mistero, è presenza immateriale mai davvero tangibile. A causa di ciò il pathos latita, l’ineluttabile resta nelle intenzioni e il confronto tra uomo e animale non assume mai i toni solenni che vorrebbe. La sensazione è quella di essere sempre all’interno di un teatro di posa, con gli attori che recitano una parte senza viverla. Le numerose sequenze in esterni soffrono della stessa incapacità di sospendere l’incredulità. Non aiuta di sicuro lo script di pura superficie, continue didascalie e frasi fatte di Charles Leavitt, già responsabile del pasticcio Il settimo figlio (in condivisione con Steven Knight), dell’hollywoodiano Blood Diamond e del fallimentare K-Pax. Troverà comunque estimatori, sia tra il pubblico (il richiamo di un “classico” e le promesse del marketing possono ancora fare miracoli), che nella critica (dopo anni di esagerata riluttanza il cinefilo ha deciso di dire di sì a Ron Howard, e indietro non si torna).

Genesi di un capolavoro letterario, basato su “Il cuore dell’Oceano - il naufragio della baleniera Essex” di Phil Brick (già adattato, due anni prima, per la Tv inglese), che ricostruisce la vicenda anche sulle testimonianze del secondo ufficiale interpretato da Chris Hemsworth: rientra appieno nel cinema “classico” e morale di Ron Howard, dove lo spettacolo d’avventura troneggia fra nave in burrasca, lotta contro la fiera e tensione di sopravvivenza nel naufragio, ma non si esaurisce in esso, preferendo la disquisizione etica che ritrae l’essere umano assetato di denaro o prestigio sociale, ai danni di una natura che si ribella (non contro l’uomo, ma contro il sistema capitalistico). Pulsioni da stigmatizzare dell’animo umano che, nel film, si scindono nelle figure di capitano e primo ufficiale: si parte con sentori da Gli Ammutinati del Bounty, con il comandante inetto ma di ruolo per privilegi di casta che si confronta con l’esperto del popolo rispettato dall’equipaggio, poi il film si sosta su concetti più originali (peccato siano urlati sbrigativamente dalle battute della sceneggiatura di Charles Leavitt) con il capitano convinto, per decreto di Dio, della superiorità dell’uomo sulla natura, mentre il primo ufficiale crede di avere offeso il divino uccidendo le sue creature. Infine, la maturazione: i caratteri antitetici iniziano a rispettarsi e compaiono le riflessioni sui segreti che divorano l’anima e sul coraggio di andare dove nessuno si è spinto prima. Accenni vari voluti dagli autori per contornare un racconto coinvolgente, di grandi gesta e maturazioni esistenziali. Immeritato scontento al botteghino.