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VENEZIA 2009 |
| ORIZZONTI: |
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| - ORIZZONTI |
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DOWAHA (BURIED SECRETS) Tunisia,
91’ |
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Voto: 5½ Camilla Bartolini Manuel Billi: 7 |
Tunisia. Tre donne e tre
generazioni a confronto. Più una.
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ZARTE PARASITEN (TENDER PARASITES) Germania, 87' |
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Voto: 6 Manuel Billi |
I teneri
parassiti del titolo sono una coppia di giovani disoccupati che sopravvive
vivendo la vita di un altro, fagocitando il posto di un assente (il figlio
prematuramente scomparso della coppia borghese), simulando amore e seminando un
altruismo “paradossale” perché non spassionato e gratuito.
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CHOI VOI (ADRIFT)
Vietnam,
110’ |
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Voto: 8 Manuel Billi Luca Pacilio:6 |
Choi Voi
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ARMANDO TESTA – POVERO MA MODERNO Italia, 50’ |
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Voto: 6 Giulio Sangiorgio Giulio Sangiorgio: 6 |
Omaggio alla genialità istintiva di Armando Testa, adeguata alle e stimolata dalle logiche del mercato. Impianto meta-televisivo, con la confezione di un programma in cui Lucilla Agosti (che Corsicato dirige verso la macchietta della presentatrice TV, affibbiandole una simpatia forzata e una vena popolare decisamente fastidiose) coordina interviste a personaggi celebri partoriti da Testa (da Carmençita a Papalla, fino a Hippo Pippo), lancia vecchi spot, interventi di familiari, dichiarazioni di Testa stesso. Nel rendere onore e memoria all'artista, Corsicato afferma l'influsso che quel lavoro ha avuto sulla sua poetica, legittima un mondo, povero ma moderno, avanguardistico e autoironico, stilizzato, prettamente estetico e solo di riflesso contenutistico, un modo di pensare l'arte che il cinema in Italia non conosce. Se non con i film di Corsicato. Così, mentre il documentario scorre leggermente frizzante, con gli pseudo-inserti-pubblicitari a sollevarci dal peso insostenibile del programma TV (viene quasi da pensare che sia un equilibrio consapevole), Corsicato, per mezzo di Testa e del suo universo, parla di sé, della sua arte, del suo cinema. Come a dire, in un aggettivo: sentito.
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REPO CHICK Usa, 90' |
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Voto: 5 Manuel Billi Luca Pacilio: 6 |
Ideale seguito di Repo Man, cult (mi si
dice) anni Ottanta, Repo Chick declina in chiave pop-trash
l’estetica Punk del predecessore. Cox tesse un elogio del trovarobato
cinematografico: sullo schermo, nulla è a dimensione umana, né gli
oggetti (modellini e giocattoli ingigantiti), né i personaggi,
bidimensionali come gli eroi di un fumetto. L’utilizzo dei trasparenti
con retroproiezioni, cosi’ come le scenografie su scala ridotta,
incuriosiscono i primi dieci minuti. Una volta che l’occhio e lo
spirito si sono assuefatti a questo infantile dispositivo, la noia
affiora inesorabile. Quanto al resto, è praticamente impossibile
prendere sul serio un plot che, pur con vaghe pretese di satira sociale
e politica, ci presenta un’eroina di nome
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PARAISO Perù, 87' |
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Voto: 6½ Manuel Billi |
Piccola produzione peruviana, la prima della storia a
rappresentare il paese sudamericano alla Mostra del cinema di Venezia, Paraiso
ha un classico canovaccio da commedia giovanile, con tutte le occorrenze
del caso: piccolo paese, ragazzi che si chiedono cosa faranno da grandi,
indecisi se continuare a trastullarsi in un infinito dolce far niente o
fuggire, gli adulti che si chiedono come siano riusciti a sopravvivere
in quel lembo di terra lontano dal mondo e che vedono nell’apatia dei
figli il perpetuarsi della propria. Non mancano all’appello la sagra
paesana, momento chiave e, ovviamente, parzialmente risolutivo (almeno
per alcuni del gruppo) e la “tenera storia d’amore
adolescenziale”. Insomma, Paraiso
ha le carte in regola per suscitare irritazione o lasciare indifferenti.
Le poche pretese e l’affiatamento del gruppo di protagonisti ci hanno
fatti propendere per la seconda opzione.
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VIAJO PORQUE PRECISO, VOLTO PORQUE TE AMO Brasile, 75' |
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Voto: 6 Camilla Bartolini |
Un “labirinto” di soggettive (date come tanti frammenti:
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THE MARRIAGE Italia, Spagna, 40' |
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Luca Pacilio Marco Compiani: 8 |
Quella di The Marriage non è stata una semplice proiezione, ma una performance nella quale il Maestro, mentre sullo schermo scorrevano le immagini, ha spiegato il senso del suo nuovo progetto, la sua personale visione de Le nozze di Cana di Veronese, la cui installazione, nell’ ambito della Biennale, era visitabile all’isola di San Giorgio Maggiore, laddove la copia del dipinto (quello autentico fu portato in Francia da Napoleone ed è al Louvre) si trova dal 2007, nel luogo che originariamente ospitava l’originale. Secondo un progetto site-specific che vuole celebrare il cinema attraverso i capolavori dell’arte e che ha già investito La ronda di notte di Rembrandt e il Cenacolo vinciano, la tela diviene uno schermo sul quale viene effettuata una proiezione di effetti speciali con tecnologia all’avanguardia (elaborati dal fido Reiner van Brummelen), che rendono le figure tridimensionali: l’opera prende vita, viene riatmosferizzata e sonorizzata. Nel caso specifico i centoventisei personaggi ritratti nel dipinto (ci sarebbero lo stesso Veronese, Tiziano, Tintoretto e, naturalmente, Pietro Aretino) prendono la parola e commentano la situazione. Ispirato soprattutto da opere che in qualche modo vengono viste come antesignane del cinema, nelle ambizioni e nell’esecuzione, opere che spesso, come in questo caso, sono enigmatiche e a doppia lettura, Greenaway, nell’installazione, vuole abbracciare l’idea sottesa dall’artista che il quadro non ritraesse affatto il contesto del primo miracolo di Gesù (la trasformazione dell’acqua in vino), quanto piuttosto la celebrazione delle nozze del Cristo con Maddalena.
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IO SONO L'AMORE Italia, 120' |
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Luchino Guadagnino
Voto: 4½ Luca Pacilio Luca Baroncini: 5 |
Bastano i titoli iniziali, vecchio stile, per comprendere su quale terreno vuole investire questo film di Guadagnino: quello dei manierati, grandi ritratti borghesi di una volta, di un cinema che in Italia non si fa più da decenni. Dunque la grande residenza dei Recchi, magnati lombardi, è il campo da gioco di una partita sociale in cui, in odor di Visconti, tra macroscopici interessi e opportunistiche ipocrisie, due membri di ceti differenti si incontrano e sfidano le ammuffite (ma necessarie per la sopravvivenza di una classe) convenzioni, in nome della passione. Nobile il tentativo, esile il risultato: il gergo utilizzato da questa famiglia non esiste, è pura (e superatissima, oltretutto) convenzione letteraria e la cosa rappresenta un problema non da poco stante il fatto che questo idioma e le sue formule sono quanto di più concreto emerge della famiglia ritratta. Tutti i discorsi di classe che vengono proferiti sanno di bolso romanzo di appendice: se di rivisitazione di un genere si tratta (più elementi ce lo dicono) ogni aspetto andrebbe rivisitato, soprattutto se, come in questo caso, si decide di ambientare la storia ai giorni nostri. Non produce senso, neanche in un’ottica citazionista, per esempio, l’esprimere l’attaccamento alla tradizione della famiglia attraverso l’aggrottar di ciglio del nonno (il grande Gabriele Ferzetti) di fronte al regalo di una foto incorniciata e non più di un quadro, con corollario di spiegazioni a corredo; né basta fare di questa famiglia, classicamente, un campionario di umanità bella e perfetta al di fuori (la matriarca è Marisa Berenson, mica una nonna Pina qualsiasi), tormentata e fragile dentro (il versante femminile, soprattutto, diversamente angosciato – l’insoddisfazione della madre, il lesbismo della figlia –, è quello che sovverte le logiche familiari). Anche il discorso sul passaggio di consegne, momento topico di qualsiasi saga familiare che si rispetti, è risolto come in una tenenovela di quarta serie, con una prevedibilità di toni e una banalità di scrittura sconcertanti. Insomma, non regge il rapporto tra una confezione che azzarda (la macchina di Guadagnino, che disegna una Milano invernale sciabolandone le strade e le architetture, si muove di continuo tra l’ambientazione metropolitana e i personaggi che la abitano, il montaggio frammentato, l’algido registro visivo cui si consegna la descrizione degli interni) e una sostanza scenica così poco lavorata (il risvolto tragico, la fatalità che porta alla morte del rampollo, è così smaccatamente utile alla storia da apparire ridicolo), soprattutto se, com’è evidente, su quella sostanza si vuole operare anche in termini di metafora e richiami alti (Hitchcock, per esempio, vive nella crocchia a spirale dei capelli della Swinton). Anche il terzo incomodo che (Teorema?) sconvolge gli apparenti equilibri della casata, seducendo (innocentemente, amicalmente) figlio e (carnalmente) madre è introdotto nella narrazione in modo del tutto pretestuoso, anche se poi lo si inserisce di forza nell’ennesimo sottotesto (quello del senso del gusto come chiave di accesso a un mondo, che è anche un ricordo, meno artefatto di quello presente; del ritorno al piacere primo, sfrondate tutte le raffinate e castranti sovrastrutture che il soggiacere alle ritualistiche chic dei Recchi comporta). Dunque attraverso dinamiche usurate, classiche situazioni da romanzetto rosa e sentito dire (è tutto un riproporre stilemi artificiali evidentemente mai sperimentati da alcuno degli sceneggiatori) si offre agli occhi dello spettatore una storia di scialba superficie, dove non c’è un sussulto che non appaia scritto, dove la facilità degli snodi è pari alla loro ingenuità (il libro d’arte come indizio della tresca). Se la patinatura del registro visivo è accettabile, essendo in re ipsa, per così dire, lo stesso non può sostenersi per la piatta messinscena, per le scene di sesso di semplicismo studiatissimo (la Swinton e Gabriellini che copulano sul prato in montaggio alternato con le api che zompettano di fiore in fiore: è tutta una generale impollinazione, mio dio – di nuovo il ritorno alla Natura, ai piaceri primi, ad una dimensione di semplicità che la gabbia dorata della borghesia ha sotterrato sotto cumuli di finzioni -) al limite della citazione (e qui ci possiamo anche stare) di un erotico softcore d’antan. Tilda Swinton spadroneggia (lei inglese nella parte di una russa che parlucchia italiano…), essendo il centro ispirativo ( e in parte produttivo) di questo progetto, più ambizioso di quanto non appaia, ma che alla resa dei conti, tolta la confezione di lusso, l’ apparato dei riferimenti sotterranei e una disinvoltura registica degna di miglior causa, tutti elementi esornativi, nella sostanza non si differenzia in nulla da un qualsiasi mediocre sceneggiato televisivo in tema.
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WOMEN CENGJING DE WUCHANZHE Cina, 76' |
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Voto: 5 Manuel Billi Luca Pacilio:
5 |
Xiaolu Guo
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INSOLAÇÃO Brasile, 100' |
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Voto: 7 Manuel Billi Giulio Sangiorgio: 7½ |
Aleggia uno spirito da commedia umana e morale
alla Botelho o alla De Oliveira in questo
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VILLALOBOS Germania, 110' |
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Voto: 8 Manuel Billi |
Ricardo Villalobos, Dj e compositore di musica
elettronica, è il cuore visivo e sonoro del documentario eponimo di
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PEPPERMINTA Svizzera, 80' |
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Fuori!
Voto: 5 Luca Baroncini Luca Pacilio: 4½ |
E se il mondo fosse coloratissimo, psichedelico, folle e sganciato dalle coordinate della razionalità in cui siamo abituati a rinchiuderlo? Probabilmente andrebbe tutto a rotoli, ma Pipilotti Rist si diverte a immaginarlo tale ed esordisce nel lungometraggio come se si trattasse di un’opera d’arte da esporre alla Biennale. Ecco quindi un film con una sua coerenza stilistica ma fuori dalle convenzioni del linguaggio cinematografico, sicuramente diverso da qualsiasi altra cosa, il che, però, non è per forza un merito. È stato definito una sorta di “Pippi Calzelunghe sotto acido” e in effetti la protagonista è una ragazza un po’ fuori di testa che, con la complicità di una nonna bulbo oculare (sic), cerca di rendere il mondo un posto migliore in cui vivere, evitando che i tanti muri dietro cui le persone si barricano per paura diventino insormontabili. La sua ambizione è quella di “scopare il cielo”, le sue armi i colori, la frutta, gli animali e liquami di ogni sorta, dal sangue mestruale alla saliva, ma soprattutto una determinazione da caterpillar che le consente di ribaltare a suo favore qualunque ostacolo incontra sul proprio cammino. Il variopinto frullato che ne deriva alterna riprese grandangolate, stop-motion, desaturazioni, ralenti, accelerazioni, continui ribaltamenti e stravolgimenti delle immagini, sempre rielaborate e trattate con filtri che ne alterano, estremizzandole, le caratteristiche cromatiche. Tutto teso a stordire lo spettatore per coinvolgerlo in un viaggio che diventa un trip, tanto originale nella forma quanto banale nei contenuti. Si glissa infatti sulle reali problematiche per fuggire in un altrove urlato come migliore ma solo anticonvenzionale. Se l’impatto visivo è innegabile, il gioco diventa presto ripetitivo e frastornante, difficilmente sopportabile per 80 minuti che potrebbero essere 5 come 800. Apprezzabile nella coerenza con cui impone uno stile personale, avrebbe forse necessitato di più leggerezza e ironia per aprirsi una breccia nei cuori “ingrigiti” da una routine che il luogo comune vuole noiosa e poco stimolante e invece non per forza disprezzabile. Perlomeno in confronto all’alternativa pop-delirante-tramortente proposta dalla Rist.
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LA DANSE - LE BALLET DE L’OPÉRA DE PARIS Usa, 159' |
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Voto: 10 Stefano Trinchero Luca
Pacilio: 10 |
Mette a disagio il tentativo di raccontare un film di Frederick Wiseman, probabilmente perché sorge il dubbio che non si tratti di singoli film ma di capitoli di un’unica grande indivisibile opera. Si vorrebbe soltanto possedere la facoltà di poter vedere e sentire qualunque cosa ci passi davanti agli occhi e attraverso le orecchie con la stessa profondità e con la stessa precisione con cui ci è concesso di osservare le porzioni di mondo filmate e registrate da uno dei più grandi registi americani di sempre. Immagini e suoni che sono il frutto di lunghi appostamenti, di un lento processo di scomparsa della macchina da presa e di un paziente districarsi attraverso ore di girato per lasciar emergere nient’altro che quel coagulo audiovisivo significante attraverso cui l’esperienza tramanda sé stessa. Un lento addensarsi di elementi visivi e sonori intorno a un concetto, uno spazio e un segmento temporale per provare a riprodurre il meccanismo con cui la memoria elabora il vissuto, disciplinando e riorganizzando i frammenti inconcludenti, ripetitivi e disconnessi della vita in un supporto narrativamente più fruibile e più agilmente trasportabile.
| - CONTROCAMPO ITALIANO |
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IL COMPLEANNO Italia, 106' |
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Voglia di dramma
Voto: 5 Luca Baroncini Marco
Filiberti, di cui consiglio caldamente di visitare il sito
web , ha piu’ ambizioni che talento. Se nel precedente Poco
piu’ di un anno fa aveva dato prova di un narcisimo senza eguali,
ne Il compleanno si misura con i grandi maestri del melodramma:
Visconti e Sirk in primis. Il tragico amore di Tristano e Isotta funge da cornice mitica
all’infatuazione dello psicanalista Matteo, tra le cui pazienti figura
una Piera Degli Esposti (sic) che “non mente, omette” (sic sic), per
lo student-modello David. Alcuni topoi della leggenda bretone vengono
simpaticamente declinati. Ad esempio, il calice dell’elisir d’amore
diviene un bicchiere di birra sorseggiato dai due futuri amanti sulla
battigia a notte inoltrata. Tuttavia, il gioco della seduzione tra
l’aitante David e il tormentatissimo Matteo si nutre di gesti e parole
difficilmente reperibili nel tardoromanticismo tedesco o nel tardo
tardodecadentismo teutonico viscontiano: Matteo che con sguardo lascivo
accarezza idealmente il corpo di David sotto la doccia; ancora
l’ostinato Matteo, che passa dalla fase scopica a quella tattile e
spalma la crema solare sulla schiena del giovine. Voto: 3 Manuel Billi |
C’è molta carne al fuoco nell’opera seconda di Marco Filiberti (il debutto Poco più di un anno fa – diario di un pornodivo pare sia stato un successo in dvd): l’ineluttabilità del destino, l’incomunicabilità contemporanea, l’irrazionale a squarciare ogni sicurezza, l’amour fou, la quiete non priva di insicurezze della classe sociale borghese. Ma al regista sembra interessare soprattutto che il conflitto tra eros e thanatos volga al melodramma. Esplicita dichiarazione d’intenti è l’incipit a teatro, con una lunga sequenza in cui i personaggi vengono presentati mentre sono spettatori di una rilettura wagneriana del mito di “Tristano e Isotta”. Le ambizioni sono alte e per un po’ ci si illude che la verve iniziale possa essere garanzia di riuscita. In realtà diventa sempre più ingombrante la sensazione che del dramma raccontato, dei legami messi in scena, delle dinamiche comportamentali che animano i rapporti tra i personaggi, si percepisca solo l’apparenza. Come dire, i gesti, le movenze, gli atteggiamenti, imitano la vita ma non arrivano mai davvero a penetrarla. L’impressione diventa certezza con l’entrata in scena del giovane che sconvolge il fragile equilibrio delle due coppie di amici, l’oggetto del desiderio che mette a soqquadro la vita emotiva del protagonista e scatenerà prese di coscienza, passioni e dramma (ennesimo elogio al senso di colpa). Un po’ perché l’interprete Thyago Alves è tanto belloccio quanto inespressivo (e, diciamolo, con i suoi 34 anni decisamente fuori parte), un po’ perché il suo rapporto con gli altri personaggi mette a nudo la vacuità delle caratterizzazioni; in particolare il suo legame con il protagonista non trova fondamento, se non a parole, con la presunta cultura di lui e l’altrettanto presunta voglia di imparare, scoprire e ascoltare dell’altro. La sceneggiatura non riesce così a districarsi nel dedalo di emozioni e peculiarità dei singoli personaggi e anche la messa in scena soffre della superficialità con cui le emozioni vengono impaginate: eccessi nella recitazione, poca spontaneità (i ragazzini sulla spiaggia paiono in perenne posa per la pubblicità di un gelato), la gag a dominare sulla verità dei personaggi (è spesso l’esuberanza di Alessandro Gassman a concludere con brio molte sequenze), dialoghi ricercati, a volte anche piuttosto efficaci (bello quel “io non mento…ometto” detto da una sempre carismatica Piera Degli Esposti) ma non sempre resi con naturalezza. Fino a una chiusa greve coerente con la dichiarata voglia di dramma ma decisamente forzata. In linea, comunque, con l’assenza di approfondimento che limita il possibile respiro della pellicola.
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DIECI INVERNI Italia,
99' |
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Prologo di un amore
Voto: 6 Luca Baroncini |
Ambisce alla commedia sofisticata l’esordio alla regia di Valerio Mieli (anche co-sceneggiatore) che racconta una storia d’amore attraverso dieci quadri che rappresentano altrettanti anni in cui i due protagonisti si inseguono senza prendersi, fuggendo da un legame duraturo perché impreparati ad accoglierlo. I toni fiabeschi della narrazione prevedono però un lieto fine, che, tanto atteso, tarderà molto ma riuscirà ad arrivare. Piacevole nell’impostazione, abbastanza attento nelle caratterizzazioni, l’opera di Mieli procede con qualche intoppo a causa dei tanti elementi che prova ad abbracciare. Se la storia di “quasi amore” è in evidenza, non sempre scorrono con la stessa intensità e spigliatezza i rapporti con i familiari, le rispettive ambizioni professionali, le amicizie, le altre relazioni affettive, il mutare del sentire dei personaggi, protagonisti inclusi. La sospensione di incredulità latita in più occasioni (difficile credere alla svolta russa in cui la protagonista diventa la signora borghese di un uomo attempato, alla venuta di lui a Venezia per riconquistarla o all’incontro finale e risolutore a un’improbabile asta) e più volte si ha la sensazione di una successione decisamente forzata degli eventi. A risollevare in parte dall’ovvietà e dal (fin troppo) ricercato equilibrio delle mezzetinte, sono l’idea di partenza, comunque potente nell’utilizzo delle stagioni come parentesi in grado di racchiudere la vita, e l’ambientazione veneziana. Per una volta la città lagunare non diventa sfondo di scontate cartoline, ma è l’anima del film, inconfondibile tessitura che dona verità dove falliscono parole e azioni. Isabella Aragonese si conferma credibile ragazza della porta accanto, infagottata in un personaggio che non brilla per simpatia, e Michele Riondino ha indubbia presenza scenica.