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ROMA
2006 |
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EVENTI SPECIALI |
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Viaggio
Segreto (Italia/Francia - 2006 - 107') |
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Leo e Ale sono fratelli: il loro passato è segnato da un dramma che cercano di cancellare. La vendita della casa d'infanzia in Sicilia e il viaggio che Leo compirà nella sua terra natale faranno ritornare alla memoria tragici episodi.
Incontri/scontri
fra velluto e fichi d’india, scogli di una Sicilia vivida e aguzza,
colori accesi e ombre nette. Viaggio segreto è il tunnel di un
passato che riemerge, fra pelle che si sfiora e brividi nascosti. E’
l’incubo di un’infanzia spezzata da un colpo di pistola, di una
favola d’amore e di sesso, un dipinto di corpi che si intrecciano e di
occhi che si cercano. Storia di fantasmi che ritornano, di ricordi che
si sovrappongono all’esperienza presente, il film di Andò è un
vortice di esperienze sommate, di dolori che schiaffeggiano lo
spettatore sgraziatamente, con quella superficialità
pseudo-intellettuale che ormai sembra essere la firma in calce di certe
operazioni. Come ne La
bestia nel cuore la drammaticità dei fatti è sì
profonda, ma soprattutto strumentale: Viaggio segreto procede
affrontando una per volta il maggior numero di catastrofi umane
possibili, provando un sadico gusto nel soffermare gli occhi su dolori
forzati, tanto crudeli quanto falsi. I protagonisti si spogliano dei
loro vestiti ma la loro nudità è esclusivamente esteriore: i loro
animi sconvolti restano sepolti dietro alla coltre della paura e della
menzogna, dietro alla porta blindata di ricordi che non possono e non
devono tornare a galla. Una casa abbandonata per decenni è l’entrata
di un passaggio temporale e psicologico: la polvere dei mobili non basta
a soffocare ombre che improvvisamente riprendono forma e voce, mentre
dialoghi e situazioni che si erano venute a creare anni e anni prima
incredibilmente si ricostituiscono. Voto: 4,5 Priscilla Caporro Teatro Siciliano Roberto Andò riesce nel miracolo di un film irreprensibile; un viaggio segreto nella memoria, a superflua conferma dello spessore complesso del Sud, che prende la matrice letteraria – il romanzo Rivelazioni di Josephine Hart – e la contamina con i feroci segnali della psiche. L’opera, se apre il sipario sulla semplice contrapposizione (l’ indagatore della mente, incapace di penetrare sé stesso), subito manifesta la calligrafia peculiare di una mano guantata, che cerca e trova l’angolatura di sbieco e scrive la storia dal suo punto di vista, non offre appigli di rassicurante riconoscibilità narrativa ma punta forte sull’insolito e l’individuale; il girovagare sospeso di figure introverse, tra le sbarre di ambienti stringenti, è attraversato da una perturbante voce off che dirotta l’attenzione al sintomo straniante (l’umore dei pesci nell’acquario) e sprigiona clandestinamente uno strisciante sottotesto. Il regista palermitano, citando distrattamente Menzogna e Sortilegio di Elsa Morante, approda quindi al cuore della questione: il film sbarca in Sicilia - lo spazio si apre ma permane soffocante - e non lo dice, muovendosi doppiamente nella regione (fisica e interiore), in questo deserto del Tempo si smarrisce incrociando i suoi strani abitatori (una ninfa melanconica, un prete ingannatore, infine un padre compromesso). La conoscenza intima del problema, l’implacabile pertinenza dei riferimenti di Andò promuove il cortocircuito della visione, oltre il velo tramico, e coniuga la dimensione mitologica alla cronaca inesplosa di un contesto crudele, primitivo, devastato; occulte sono le allusioni al dramma meridionale ma non meno impressionanti, dal sonno bigotto contro il malaffare (Ho fatto il magistrato per scalfire il prestigio della Morte, così il padre) all’uso delle armi, primamente interiore perché introiettato nella forma mentale (se i bambini giocano a sparare, non stupisce quindi l’agnizione finale). Il discorso prosegue nei tentacoli di inquadrature ricercate (la prima scena, insieme nudo e natura morta), che sfruttano a dovere la catatonia di Boni, la grazia spigolosa di Donatella Finocchiaro e lo sguardo sonoro di Kusturica, lasciando emergere il lavoro originariamente teatrale dell’autore – una firma sudista, da Chimera a Luna Rossa – dove si mescolano piani temporali, l’attore è anche spettatore, il presente in diretta e il ricordo dietro le quinte. Gli interpreti tolgono il costume; gli oggetti di scena, impolverati, si ripongono dopo la recita. Un luogo in cui la Morte non ha consolazione è un luogo indegno.
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L’installazione
contemporanea di un artista innamorato sarà il tramite finale di una
cristallizzazione del passato nel presente, segno definitivo che dalle
proprie esperienze passate non si sfugge: una fotografia d’infanzia,
serena e allo stesso tempo testimone di un destino già visibile, è il
punto di congiunzione fra quello che è stato e il presente. I ricordi
vengono trascinati dal vento impetuoso di una spiaggia e trovano la loro
corporeità in stanze familiari, dove le dita scorrono sicure su spigoli
noti, superfici sfiorate mille volte in precedenza. Ma cosa resta di
questo viaggio nel dramma racchiuso fra le proprie radici, qual è il
senso di questa incursione in una terra che ha dato i natali ma che poi
è stata abbandonata? Andò gioca tutte le carte che ha in mano,
aggregando gli elementi più disparati: numerosi però sono i grumi che
non si sciolgono. Uno per ogni questione abbandonata al luogo comune, al
dramma da copertina patinata.
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EXTRA |
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Grido (Italia - 2006 - 75') |
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Una ricognizione lirica delle esperienze artistiche, umane, e dei tanti
viaggi che hanno contraddistinto il percorso di Pippo Delbono, autore
teatrale portato più di altri a mettere in gioco la propria identità. Un grido soffocato
Voto: 6 Stefano Coccia |
Intuizioni
registiche dal sapore introspettivo e quasi memorialistico, per questo
lavoro di Pippo Delbono che propone in forma libera, straniante,
sicuramente molto sentita, il succo delle sue esperienze teatrali più o
meno recenti, alle quali si allacciano imprevedibili risvolti umani.
L’autore usa la macchina da presa come un taccuino, ove appuntare
incontri, scelte di vita, viaggi, riflessioni, tournée teatrali,
semplici stati d’animo. Il risultato è un cinema di poesia che a
tratti vola leggero, per poi collezionare piccoli squilibri che incidono
sulla fragile essenza dell’opera, destinata ad appesantirsi allorché
il regista dà prova di fissarsi troppo su alcune situazioni, o
personaggi. Nell’ultimissima parte di Grido tale sensazione
trova ulteriori riscontri: il ricordo dei primi contatti con Bobò, un
omino ricoverato per decenni nell’ospedale psichiatrico di Aversa,
vicino Napoli, assume infatti un rilievo particolare. Inizialmente si
rimane conquistati dal tono schietto con cui viene introdotta la
singolare magia dell’incontro, da cui entrambi i protagonisti sembrano
acquisire, nell’amicizia come anche nella performance teatrale, una più
matura prospettiva esistenziale. Bobò è così entrato a far parte, lui
sordomuto e abbandonato da tutti per anni, nella compagnia teatrale di
Pippo Delbono. Ma ad un certo punto la spontaneità del discorso sembra
esaurirsi; nuoce pertanto l’insistenza con cui l’autore rimane
incollato alle conseguenze, anche minime, di questo nuovo sodalizio
artistico, proprio mentre il film avrebbe bisogno di rigenerarsi, magari
aggiungendo altre pagine a quel diario che fino ad allora aveva saputo
ammaliare. Il rischio è semplicemente che quel grido così penetrante
si trasformi, al sopraggiungere dei titoli di coda, in un grido
soffocato.
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Qian li zou dan ji (Cina/Hong Kong/Giappone - 2005 - 107') |
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Strade perdute Oh Paddy, I think I’ve lost my way. David Bowie (o Zhang Jimou?) Dopo la visione di Mille
miglia…lontano, indubbiamente prolisso ma non privo di elementi
interessanti, viene voglia di chiedersi quale sentiero stia ora
percorrendo Zhang Yimou. Non avrà forse ripreso… La strada verso
casa? A prima vista sembrerebbe di sì. Nel senso che, messi da parte
gli approcci non esaltanti al Wuxiapian rappresentati da Hero (2002)
e La foresta dei pugnali volanti (2004), il regista simbolo della
Quinta Generazione dà qui l’impressione di voler ripensare il suo
cinema, attraverso un ritorno ad ambientazioni e personaggi più vicini
alle sue corde. Ma è così che stanno le cose, o c’è dell’altro? Vi
sono almeno due motivi che ci spingono a considerare quest’opera un
binario morto, piuttosto che un crocevia destinato a schiudere chissà
quali orizzonti. Voto: 4,5 Stefano CocciaAddolorato racconto di una lanterna rossa scolorita Zhang Yimou si allontana dallo svolazzante e poetico volteggiare di colori e di sensazioni de La foresta dei Pugnali Volanti e precipita in una storia fragile e mediocre. Mille miglia…lontano è un racconto fondamentalmente povero di spunti originali, che succhia la propria linfa vitale da un’idea gracile e striminzita (nonostante sia tratto da un classico della letteratura giapponese) e tenta disperatamente di ampliare il discorso inserendo presunti intarsi di riflessione e di commozione. Dispiace però che tale scelta risulti poco dissimile da quella di un oste disonesto che allunga il vino con l’acqua: Zhang Yimou accompagna il signor Takata nel suo viaggio di formazione attraverso la Cina rurale “dei buoni sentimenti”, incontrando nel suo percorso non solo numerose difficoltà che pur apparendo insormontabili vengono superate con una facilità imbarazzante, ma soprattutto una corale solidarietà fatta di sorrisi e di gesti cari. Sarà che ormai ci eravamo abituati alla veste “storico-millenaria” della Cina (Hero, La foresta dei Pugnali Volanti) ma Mille miglia…lontano sembra proprio non cogliere il punto del discorso e zoppica nella narrazione a causa della grave carenza di idee: Zhang Yimou porta sullo schermo un film esageratamente chiacchierato, dove i personaggi talvolta sovrappongono perfino le loro voci, confondendo gli idiomi e urlando le proprie opinioni. Anche i pensieri di Takata finiscono per essere solo e soltanto un’ulteriore forma di conversazione con il pubblico che viene tarpato di ogni possibilità di relazione diretta con la storia e con la vicenda del personaggio: tutto viene urlato e messo per iscritto, quasi in una corsa forsennata all’evoluzione e alla riproposizione dei temi. I siparietti di cui è costituito il film infatti ritornano più volte nel corso della pellicola producendo un effetto sempre meno incidente sulla composizione, che risulta così frammentata in una serie di soluzioni circolari che finiscono per stancare. E’ quasi sconcertante infine che Zhang Yimou, che era riuscito a sintetizzare al meglio l’analisi della commozione e del dolore (basti pensare a Sorgo Rosso), si dedichi a delle scene di trasporto emotivo dallo spessore decisamente non alla sua altezza: i carcerati che piangono all’unisono alla vista delle foto del piccolo Yang Yang sono probabilmente il massimo esempio di questo triste processo. La descrizione dei vari villaggi e la loro caratterizzazione appartiene sempre a questo deprimente discorso di appiattimento dello stile e della resa filmica: anche La strada verso casa, sebbene non sia di certo il capolavoro assoluto dell’artista, si era dimostrato più efficace nel disegnare i tratti di una società rurale semplice ed onesta senza ricorrere a sorrisi forzati e dialoghi stucchevoli. Siamo decisamente mille miglia…lontano da quello che abbiamo visto fare da Zhang Yimou. Voto: 3 Priscilla Caporro |
Sia
detto chiaramente: a noi non dispiace abbandonarci alla commozione, quando
suona sincera. Stessa cosa quando il ripetersi di picchi melodrammatici
nello stesso film sfiora il parossismo. Si tratta semmai di sopportare a
fatica quelle piccole astuzie, quelle sottolineature registiche che nel
caricare emotivamente una scena ottengono l’effetto contrario,
mettendone in discussione proprio la sincerità. Come quando l’ostinato
Goui-chi, quel giapponese sbarcato in Cina per un atto d’amore nei
confronti del figlio malato, si trova nella necessità di incontrare un
musicista locale detenuto in carcere, e per vincere le resistenze della
burocrazia locale, invia alle autorità un commovente video-messaggio.
Sarebbe tutto più tollerabile, per non dire coinvolgente, se Zhang Yimou
non si sentisse obbligato a far partire un commento musicale
strappalacrime proprio nel momento in cui Goui-chi accenna alla malattia
del figlio, e se i fino ad allora cinici e ridanciani burocrati cinesi non
cambiassero all’istante atteggiamento. Ecco, questo è solo un esempio.
Ma anche a livello di sceneggiatura il film di Zhang Jimou abbonda di
simili trappole, fino a cambiare di segno la descrizione dell’istituto
di pena visitato, dopo tanta fatica, dal protagonista: da luogo austero
dove si rispettano disciplina e regolamento in modo maniacale, a luogo in
cui buoni sentimenti di un visitatore possono spingere il direttore,
apparentemente tutto d’un pezzo, a concessioni in un primo momento
impensabili… Basta un poco di zucchero e la pillola va giù? Può
essere, ma da un autore dello spessore di Zhang Jimou (che continui poi a
dedicarsi ai filmoni di arti marziali o si concentri di nuovo sulla Cina
attuale importa relativamente), ci aspettiamo in futuro un piatto più
sostanzioso.
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Renaissance (Fra/GB/Lux - 2006 - 105') |
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Parigi, anno 2054. Il rapimento di una giovane e bella ricercatrice,
Ilona Tasuiev, crea ulteriore scompiglio in
una città sempre più caotica, dove la politica e l’economia
sono dominate dalle strategie commerciali di Avalon. Avalon è una
multinazionale specializzata nel settore genetico, campo in cui qualcuno
ha già intrapreso esperimenti un tempo inimmaginabili. Un duro come
l’agente Karas, grazie ai suoi metodi, intuisce presto che il nesso
tra tali esperimenti e la sparizione della ragazza porterà a galla
altre verità, altri segreti… Parigi cyberpunk
Voto: 8 Stefano Coccia |
Dopo
le “rotoscopiche” visioni di Richard Linklater (Waking Life, A
Scanner Darkly) e dopo Sin City di Robert Rodriguez e Frank
Miller, arriva il film che per quanto concerne simili esperimenti
costituisce già un approdo importante, tanto a livello tecnico che a
livello estetico. L’integrazione tra riprese dal vivo e animazione
digitale raggiunge qui esiti particolarmente seducenti e sbalorditivi.
In questo caso i movimenti degli attori sono stati ripresi con la
tecnica sempre più in voga del Motion Capture, che ha permesso poi di
trasferirli sul piano dell’animazione, caratterizzata nella
circostanza dalla scelta di un bianco e nero fortemente contrastato.
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Siluro rosso - La straordinaria storia di Rubén Gallego (Italia - 2006 - 52') |
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Difficile riassumere in poche righe la tormentata ed avventurosa esistenza di Rubén Gallego, sopravvissuto all’insaputa della madre ad un parto difficile (durante il quale morì invece il gemello), venuto al mondo con un grave handicap fisico, spedito per questo dal padre in un orfanotrofio dell’Unione Sovietica (dove la famiglia, spagnola d’origine, si era trasferta per simpatie di natura politica), cresciuto quindi in un ambiente particolarmente difficile, e riscattatosi poi grazie all’amore per la letteratura. Oggi Rubén Gallego è uno scrittore russo di successo, ed ha anche ritrovato la madre e la sorella.
Voto: 6,5 Stefano Coccia |
Quella
di Rubén Gallego è realmente una storia straordinaria. Una storia di
resistenza umana al limite dell’incredibile, costellata di difficoltà
ma anche di eventi miracolosi, come il ricongiungimento a distanza di
anni con madre e sorella. Insomma, una storia che meritava senza alcun
dubbio di essere raccontata. Il documentario di Mara Chiaretti ci riesce
con un passo spedito, spigliato, sincero, che conquista lo spettatore
prima di ogni altra cosa sul piano del racconto, praticamente senza
alcuno sforzo. Ed è normale che sia così, quando si hanno esperienze
talmente forti da comunicare. L’occhio più smaliziato può
soffermarsi magari su un montaggio non sempre all’altezza del
materiale a disposizione, su quelle interviste che a volte rivelano
creatività (memorabile il duetto del protagonista, inchiodato sin
dall’infanzia su una sedia a rotelle, con l’anatra che gli passeggia
vicino) e a volte no. In definitiva sono solo dettagli. Non impediscono
che si rimanga colpiti dalla vicenda di Rubén Gallego, abbandonato per
via di una grave paralisi in un orfanotrofio sovietico dalle condizioni
di vita durissime, e capace non solo di sopravvivere, ma di far crescere
il proprio amore per la lettura e la scrittura, al punto di ricevere nel
2003 il più importante premio letterario russo per il romanzo
autobiografico “Bianco su nero”. Di lui colpiscono tanto la forza di
volontà, che l’ironia trasfusa in ogni situazione, anche la più
drammatica. Ed è una dote che nel film gli permette di offrire un
quadro vivace e contrastato degli ultimi anni dell’Unione Sovietica,
coincidenti sul piano personale con gli anni di una difficile crescita.
La regista Mara Chiaretti riesce in alcuni momenti a valorizzare la
ricca galleria di aneddoti e di riflessioni, appoggiandosi alla verve
del protagonista per offrire a livello di immagini qualche contrappunto
adeguato. Piacciono ad esempio i siparietti animati, come anche una
parte del materiale di repertorio selezionato per l’occasione. E poi
non si può fare a meno di raddoppiare l’empatia per il simpatico Rubén,
quando questi commenta in modo arguto e divertito le immagini di uno dei
suoi film preferiti, Freaks di Todd Browning.
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NET CINEMA NETWORK |
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Kontakt (Germania/Macedonia - 2005 - 95') |
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Un cinico e avido uomo d’affari, Novak, sperando di allontanare in un
colpo solo due potenziali fonti di preoccupazione spedisce il
fratellastro Janko, un ex galeotto dall’indole aggressiva, a
restaurare la villa in cui vive una giovane donna dalla mente
disturbata, affidatagli dai familiari dopo la lunga permanenza in un
ospedale psichiatrico. Così dovrebbe riuscire a controllarli meglio. Ma
se i due si innamorassero? Amor fou… che più “fou” non si può!  Il
macedone Stanojkovsky ambienta una pittoresca novella sentimentale in
quel di Skopje, sfruttando ottimamente gli spazi larghi e alberati di
quella sonnolenta periferia, che sembra quasi sfumare nella campagna
circostante; come se offrisse riparo dagli sguardi indiscreti alle due
anime solitarie e poco socievoli, che per decisione di altri si trovano
ora costrette a dividere lo stesso spazio, una villa a lungo
abbandonata: Janko, ex detenuto dalle reazioni imprevedibili, e Zana,
giovane donna che per una serie di tristi eventi aveva accusato disturbi
psichici, finendo anche in un manicomio. Eppure, quei due caratteri
guardati con sospetto dagli altri, dopo l’incomprensione dovuta
all’atteggiamento diffidente di lui e ad una coabitazione forzata,
sembrano destinati a incontrarsi. Sarà amore?Il regista tratteggia con delicatezza, aggrappandosi peraltro ad un sense of humour effervescente e mai fuori posto, un raccontino che lentamente acquista spessore, anche grazie alla bravura degli interpreti. Manca probabilmente una maggiore incisività, più che altro a livello registico, laddove le scene che dovrebbero avvicinarci ulteriormente alla sensibilità stravolta dei protagonisti scivolano via con fare anonimo, quasi televisivo. Stanojkovski si riscatta abbastanza bene nella scelta degli ambienti che fanno da sfondo all’azione, e in un modo di rappresentarli a cui non deve essere estranea la sua lunga e apprezzata esperienza come documentarista. Voto: 6,5 Stefano Coccia |
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Valse Wals (Olanda - 2005 - 62') |
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La storia di una coppia raccontata in tre tappe, che a ritmo di musica
tentano di esprimere l’essenza dell’incontro, della relazione, e
dell’addio. Un valzer malinconico
Voto: 6 Stefano Coccia |
Arriva
dall’Olanda questo film sperimentale, girato in DigiBeta, che non fa
fatica a risultare accattivante. A ritmo di valzer si viene catturati da
una storia d’amore in tre tempi, ciascuno dei quali intende
rappresentare in forma stilizzata un particolare momento: ovvero la
passione nata dopo l’incontro, la noia che accompagna a distanza di
anni il trascinarsi di una relazione, e infine il senso di complicità
che può instaurarsi in quella stessa unione durante la vecchiaia, fino
agli ultimi giorni.