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10°
MILANO FILM FESTIVAL a cura di
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Introduzione: Un Cocktail esplosivo
Concorso Internazionale Lungometraggi
Concorso Internazionale Cortometraggi
La Borsa Democratica del Cinema
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Un Cocktail esplosivo
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I migliori:
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Crash
Test Dummies Simulando incidenti stradali e persino emozioni…. Tutti i personaggi di questa pellicola austriaca, chi più e chi meno, appaiono incerti, confusi, spaesati. C’è forse qualcuno tra gli spettatori disposto ad insegnare loro a vivere? No? Sicuri? E allora teniamoceli così. I riflettori in questo caso sono puntati su una coppia di giovani rumeni, Ana e Nicolae, che finiscono in quell’Austria meno “felix” di un tempo (Haneke docet), con l’intento di raggranellare un po’ di grana attraverso un affare non particolarmente pulito. Ci sono di mezzo un’auto rubata e un’ungherese dall’aria loffia, così la storia molto presto si complica, e i due giovani rumeni sono costretti dalle circostanze a separarsi, finendo per vivere una serie di stralunati incontri. Il loro litigio sfocia per entrambi in nuove storie sentimentali, complessivamente insoddisfacenti sia per l’uno che per l’altra; e non potrebbe essere diversamente, considerando che l’Austria di Jörg Kalt appare un ricettacolo di soggetti strambi e frustrati, quasi la versione scolorita del dolente bestiario illustrato da Ulrich Seidl in Canicola. Qui c’è persino chi per lavorare accetta di fare la cavia umana nelle simulazioni di incidenti stradali! Da cui il titolo del film… Eppure le storie di Crash Test Dummies, invece di inacidirsi ulteriormente, si stemperano in un bozzettismo a tratti anche gradevole nelle sue venature umoristiche, nel contaminare il grottesco con il sentimentale, ma che alla fine dà l’impressione di non essere né carne né pesce. Rimangono alcuni punti fermi, fortemente rappresentativi di certe tendenze in atto nel giovane cinema austriaco e lodevoli almeno a livello di intenzioni: la coralità del racconto, l’attenzione per i vicini paesi dell’est, la presenza di personalità eclettiche come quella di Barbara Albert, qui interprete di uno dei personaggi e altrove attiva come produttrice o come regista, suo lo splendido Nordrand presentato a Venezia alcuni anni fa. Ma se proprio Nordrand, pur con la sua amarezza di fondo, presentava una differente temperatura emotiva che lo distanziava alquanto dal radicale e lucidissimo pessimismo di Haneke o dal sarcasmo di Seidl, questo Crash Test Dummies rimane un po’ ingenuamente a metà strada tra le varie soluzioni narrative e stilistiche che i suoi connazionali, in questi anni, hanno saputo definire con maggiore personalità. Voto: 5
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Gorod
bez solntsa (Sunless City) Il sole non è per tutti.
Voto: 7
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Las
Mantenidas sin sueños (Kept and Dreamless) Precaria ricomposizione di universi femminili disgregati. Las Mantenidas sin sueños si è imposto al Milano Film Festival come uno dei più emozionanti film in concorso. La pellicola argentina, che la giuria presieduta da Daniele Gaglianone ha meritatamente premiato come miglior lungometraggio, è stata accolta con grande calore anche dal pubblico in sala, perfettamente in grado di apprezzarne il tono sincero, la capacità di scivolare nell’intimo dei personaggi senza falsi pudori; ed ecco allora che una serie di ritratti fortemente introspettivi, ma legati altrettanto bene alle complesse dinamiche della realtà di appartenenza, scorrono sullo schermo relazionandosi tra loro in modo efficace, credibile, anche grazie alla bravura di un cast decisamente affiatato; la qual cosa non ci sorprende affatto, dopo aver parlato con Vera Fogwill (che ha diretto Las Mantenidas sin sueños insieme a Martín Desalvo) abbiamo infatti scoperto che la gestazione dell’opera è stata particolarmente lunga proprio perché si è tenuto in gran conto il lavoro con gli attori, specie con la bambina che interpreta Eugenia, cui si è voluta far vivere questa esperienza un po’ come gioco, un po’ come elemento di crescita, ma evitando possibili traumi. Oltre ad essere regista del film, Vera Fogwill (di cui ci ricordavamo per alcuni bei ruoli avuti nei film di Alejandro Agresti) è anche l’interprete di Florencia, giovane donna che insieme alla figlia Eugenia affronta un quotidiano fatto di mille incertezze: uomini che vanno e vengono, le continue ricadute nella tossicodipendenza, lavori intrapresi e subito abbandonati, un difficile rapporto con la madre che ha accettato di mantenerla senza nascondere mai il proprio disprezzo. Sullo sfondo c’è l’Argentina della recessione economica, l’Argentina che regala poche opportunità a quei giovani che, in assenza di altri valori, vivono il problema del denaro assolutizzandolo, quasi avesse la stessa consistenza metafisica di un racconto di Borges. In primo piano, invece, salgono delicati e precari rapporti interpersonali, su tutti quello tra Florencia e la figlia, relazioni complesse che danno l’idea di una curiosa famiglia allargata, nella quale hanno voce in capitolo vicine di casa assai intraprendenti, amiche di un tempo che vivono nel lusso ma senza poter contare su affetti tangibili, genitori più o meno assenti, spacciatori di passaggio. Il piano sequenza si rivela allora lo strumento ideale per mettere a confronto questa varia umanità, o parte di essa, ed esplorarne attraverso dialoghi pungenti la difficoltà a relazionarsi con l’Altro. Tutto ciò con una particolare attenzione alle differenti sfumature dell’universo femminile, qui rappresentato con grande acutezza e sensibilità. Voto: 7,5
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(Anna Melikian. Russia, 2004)
Boris, un
pugile ormai stanco del suo successo, durante un lungo viaggio finisce
per caso nella piccola stazione di una cittadina sperduta, che lo
suggestiona al punto di spingerlo a scendere dal treno. Siamo nel cuore
della Russia, il posto si chiama Marks in onore del fondatore del
comunismo (curiosa traslitterazione, per noi occidentali), ma ben Voto: 6
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Sivi
kamion crvene boje (Red Coloured Grey Truck) |
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Attraverso i Balcani su un camion rubato, proprio mentre sta per esplodere il conflitto che dilanierà i paesi dell’ex-Yugoslavia. È in queste circostanze che si incontrano e finiscono per amarsi Ratko, strano tipo originario di una paesino della Bosnia, e Suzana, ragazza incinta abituata invece a vivere in una grande città come Belgrado, da cui però sta fuggendo per via di delicate questioni personali. Davvero una curiosa accoppiata. Ratko per giunta non vede i colori, anzi, non li vede come gli altri: per uno strano scherzo del destino questo è il secondo film in concorso al Milano Film Festival, dopo il russo Mars, dove uno dei protagonisti è daltonico! Che questa stia rischiando di diventare una metafora abusata? Chissà, qui viene pure teorizzata in alcuni dialoghi dove attraverso la questione dei colori si allude al mancato rispetto delle differenze, da cui la guerra. Non dispiace il film di Srdjan Koljevic, questo Sivi kamion crvene boje festosamente anarcoide, come lo sono tutti i film in cui un camionista ribelle fa cambiare rotta e destinazione al suo veicolo (o a quello di altri, come qui avviene!): da Convoy di Peckinpah fino ai giorni nostri l’andazzo è quasi sempre stato quello descritto. Nel film del serbo sono altri, però, i retaggi visibili. La rappresentazione in chiave grottesca della guerra, il prendersi gioco delle uniformi e di posticce divisioni etniche, il raccontare la tragedia imminente attraverso stratagemmi farseschi e fantasiose intuizioni, sono tutti elementi che rimandano all’immaginario di Kusturica e di altri suoi epigoni. Nell’intraprendere questa strada la pellicola di Koljevic non è forse particolarmente originale, con una ispirazione che a livello di sceneggiatura sembra procedere a singhiozzo. Di quando in quando, con un po’ di fortuna, arriva la zampata giusta. Voto: 6 |
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The
Fall of Fujimori Il samurai senza un codice
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Il codice del samurai? No, piuttosto un samurai senza alcun
codice d’onore. Voto: 8,5
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I migliori
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A
Milano
un “panopticum” del cinema breve Navigando tra le più di 40 opere inserite nel Concorso Internazionale Cortometraggi ci si perde con facilità, non poche le idee interessanti, ma per necessità di sintesi ci converrà restringere la nostra analisi solamente ad alcuni titoli. In ogni caso fa piacere che un gran numero di persone, specialmente la sera, abbiano seguito i programmi dei corti, il che costituisce un segnale positivo per chi ha a cuore la cultura del cinema breve. Se molti dei film proposti non hanno deluso le aspettative, non altrettanto si può dire della piccola pattuglia italiana. Si è salvato giusto Bere il mare di Guido Tortorella, per la tensione che l’autore ha saputo infondere ad un lavoro decisamente sperimentale, dove l’uso della soggettiva diventa occhio morbosamente spalancato su una possibile tragedia. Per il resto, meglio pescare oltre confine. E così, un po’ per gioco, abbiamo ripartito alcuni dei corti che più ci sono piaciuti in due blocchi, senza alcun intento classificatorio, ma come semplice canovaccio per vivacizzare il nostro racconto. |
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Istinti parodici, percorsi di genere. Le possibilità offerte dal cinema breve sono sempre tante, ed anche indirizzare il poco tempo a disposizione verso la parodia di pratiche alte della produzione culturale, o di soggetti cinematografici entrati nel mito e quindi facilmente riconoscibili, può rivelarsi estremamente efficace. Davvero strepitosi, delle volte, possono essere gli esiti delle contaminazioni più spericolate. Questo è ad esempio il caso di Godot, del messicano Arturo Sampson, dove un classico del teatro dell’assurdo va incontro ad una audace rivisitazione in chiave western, con qualche momento di musical a connotarlo in senso ancora più popolare. Buffo pensare che tra i motivi per cui qualcuno sta ancora aspettando Godot, inedito cowboy beckettiano, possa esserci l’urgenza di un duello! Così come irresistibile è il mondo di Grocery Store Wars, parodia di Guerre Stellari ambientata in un supermercato. Scanzonato esempio di animazione a passo uno, il film degli americani Louis Fox, Tate Hausman and Jonah Sachs abbonda in scene cult, a partire da quella iniziale in cui un carrello della spesa sospeso in aria lancia raggi laser sui caccia dei ribelli come fosse un’astronave dell’impero. Riuscirà la “organic rebellion”, ispirata dai saggi ammonimenti di Obi Wan Cannoli e guidata energicamente dai vari Chewbroccoli e Ham Solo a sconfiggere un impero di cibi geneticamente modificati e contaminati dai pesticidi? Ma, soprattutto , riuscirà l’intrepido Cuke Skywalker a resistere al “Dark Side of the Farm”, incarnato dal tenebroso Darth Tater, noto un tempo come Organikin Skywalker? Misteri dell’alimentazione. In ogni caso la farsa (ecologica) e il divertimento sono assicurati. Passando poi dalla science fiction, o per meglio dire dalla sua deformazione parodica, all’horror, troviamo un genere rispetto al quale c’è chi ha saputo accostarsi con un certo stile, come dimostra The Ten Steps dell’irlandese Brendan Muldowney. Costruito in forma essenziale e per nulla sanguinolenta, il corto in questione fa il verso a certi teen movies basando però tutto sull’atmosfera, ed i famigerati dieci scalini che la giovanissima protagonista deve percorrere per scendere in cantina (o all’inferno?) regalano allo spettatore qualche piccolo e sinistro brivido. Una certa tensione non è immune neanche al cortometraggio del tedesco Lancelot Von Naso, Die Überraschung (The surprise), grottesca commedia che in realtà schizza da un genere all’altro, nascendo il plot da presupposti sentimentali (la sorpresa che un uomo vorrebbe fare alla sua ex) per intrattenere poi lo spettatore con scenette di ispirazione vagamente slapstick (tutti gli imprevisti occorsi al protagonista nel preparare una cenetta speciale) ed accogliere infine robuste iniezioni di adrenalina, quando un incendio improvviso fa sfiorare la catastrofe! All’originalità del soggetto, sempre oscillante tra il comico e il tragico, fa da contrappeso un linguaggio cinematografico secco, rapido, che proprio grazie a qualche illuminante movimento di macchina ed al ritmo impresso col montaggio riesce ad incuriosire il pubblico fino alla fine. |
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Giovani esistenzialisti crescono Se alcuni lavori visti a Milano ci hanno colpito per la leggerezza dei toni, dei temi, per il modo in cui si è voluto parafrasare certo cinema di genere, vi sono casi in cui gli autori si sono spinti con passo deciso verso altre prospettive, a carattere più dichiaratamente esistenzialista, o capaci comunque di stimolare riflessioni non banali sul senso della vita. La più illuminante tra le opere di maggior spessore introspettivo ci è parsa La Ruta Natural (The Natural Route) di Alex Pastor, e deve essere parsa tale anche alle differenti giurie che a Milano gli hanno tributato dei premi. Girata con amorosa attenzione per ogni inquadratura, per ogni dettaglio, la pellicola spagnola è un viaggio a ritroso che ripercorre la vita di un uomo dalla sua tragica conclusione fino alla nascita. L’idea delle scene fatte scorrere al contrario non è certo una novità, ma la sensibilità e la sottile ironia ampiamente profusi nel testo recitato dalla voce fuori campo, insieme ad altre scelte adoperate all’interno di ciascuna sequenza per isolarne i momenti più evocativi, rendono La Ruta Natural un vero e proprio gioiellino del cinema breve. Un’ironia ancor più dichiarata è invece il sottofondo dei suicidi messi in scena dal greco Louizos Aslanidis nel corto I Apoliti Stigmi (The Absolute Moment), che ipotizza un imminente futuro in cui il suicidio si è trasformato in rito di massa gestito da un’azienda, che si fa pure pagare per consentire a schiere di poveracci di gettarsi da una rupe di fronte al pubblico in estasi! Così vediamo in fila per l’aldilà persone comuni accanto ad una serie di curiosi individui, compreso un sosia di Elvis e due donne in macchina che stranamente ricordano Thelma e Louise. Ma non sanno, le due disgraziate, che adesso per lanciarsi nel vuoto a bordo di un qualsiasi veicolo occorre pagare la sovrattassa… Anche il cinema d’animazione, grazie al maestro ucraino Oleksander Shmygun, ha confermato di saper dare intensità a sentimenti come l’amicizia, rielaborando all’interno di un gioco di marionette i confini incerti tra il teatro e la vita. Non a caso il suo Play for Thee Actors è stato tra i film più applauditi, ma è stata più in generale l’animazione di qualità a riscuotere consensi, come dimostra anche God’s Early Work dell’irlandese Rory Bresnihan, irresistibile variazione satirica sul tema della creazione del mondo.
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Come
annunciato in apertura, la sezione “Colpe di Stato” ha coinciso con
uno dei momenti più appassionanti del festival. Volendo, potremmo
ricondurre tutto a questa frase di Noam Chomsky, segnalata dagli stessi
organizzatori come ideale punto di partenza per la sconvolgente
selezione di documentari presentata a Milano: “La violenza contro i
civili è terrorismo”.
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Non
è una cattiva idea chiudere il nostro reportage facendo un breve cenno
alla prima edizione della Borsa Democratica del Cinema. Questo spazio,
allestito anch’esso in quel fossato del Castello condiviso poi con
altri eventi di rilievo, musicali e non, ha dato agli addetti ai lavori
la possibilità di incontrarsi e scambiarsi preziose informazioni
attraverso un fitto calendario di seminari, workshop, presentazioni di
progetti cinematografici, o grazie al semplice curiosare tra i diversi
stand. |
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Il
sole, o per meglio dire la sua assenza. Creature lunari si aggirano in una San
Pietroburgo pallida, incorporea per quanto occasionalmente greve, che nel suo
ventre ospita studi d’artista in disfacimento al pari dei corpi di chi li
abita, corpi minati dalla malattia, o dalla malinconia, o da entrambe. La
difficoltà di essere giovani nella società russa di oggi, una società che
regala poche prospettive in cambio di una crisi di valori ormai accertata e,
purtroppo, anche accettata, defluisce in Gorod
bez solntsa (Sunless City)
dispensando emozioni fragili, ma all’occorrenza urlate, sempre in bilico tra
compostezza e disperazione. La compostezza è principalmente quella di Egor,
ingegnere sottratto ad un’esistenza abitudinaria dall’incontro con Lucy,
una giovane e stravagante attrice di teatro che condivide con altri amici e
con il fratello Alex, artista anche lui, una diversa dimensione del vivere:
eccentricità, tendenze nichiliste, libere sperimentazioni in campo artistico,
uso di droghe. Gli ingredienti del film, a partire da questo incontro di
personalità opposte, sembrerebbero non particolarmente originali. Eppure il
ritratto di vite marginali tratteggiato con grande sensibilità da Sergei
Potemkin scorre verso conclusioni potenzialmente tragiche, o verso parziali
redenzioni, senza perdere mai di vista l’essenza di una realtà “border
line” ben caratterizzata a partire dalla cornice. Che è poi una città
verso la quale i protagonisti provano una sorta di amore/odio, quella San
Pietroburgo protesa verso l’Europa ed ancorata ai sospiri pesanti
dell’animo russo, votata poi negli ultimi decenni a fagocitare l’energia
di una scena rock sempre molto vivace, ed a trasformarsi in set di esperienze
cinematografiche inquiete ed originali: passando, per inciso, da essere
palcoscenico di rocambolesche imprese criminali affrontate con un mix di
ingenuità e cinismo dal giovane killer Danila Bagrov (alias Sergei Bodrov Jr.),
in Brat di Aleksei Balabanov, fino a trasfigurarsi in iperbolica e
sfuggente location per l’adattamento russo di un celebre romanzo di Jack
London, “Il tallone di ferro dell’oligarchia”, nel conturbante Zheleznaia
pyata oligarkhii di Alexandr Bashirov. Del film di Sergei Potemkin
colpisce 
invece
l’agilità con cui sono introdotte nel racconto e messe in scena certe
intuizioni metalinguistiche, con il teatro e la fotografia che nei momenti più
emozionanti si contendono la scena. Non a caso uno dei frammenti più riusciti
è quello in cui l’introverso Egor, decisamente allibito, assiste ad una
curiosa performance artistica, ideata con forte gusto della provocazione da
Alex per aggiungere un tocco ancora più nichilista alla presentazione del suo
ultimo lavoro fotografico, che guarda caso si chiama… Sunless City!
visibile
campeggia una scritta dove Mar(k)s ha perso la K, così qualcuno
potrebbe anche avere l’impressione di trovarsi su Marte! Ed infatti
gli autoctoni sembrano un po’ dei marziani: c’è una ragazzina che
vende animali di peluche (il principale prodotto dell’industria
locale!) di fronte ai binari, un giovanotto daltonico pieno di idee
strampalate, una miss locale famosa per la sua lunghissima treccia, ed
una graziosa e romantica bibliotecaria che sogna di trasferirsi in
qualche grande città. Il film di Anna Melikian, quasi cechovianamente,
affastella microstorie di personaggi che per un motivo o per l’altro
vorrebbero essere altrove, mescolando toni da commedia, fantasie
ricorrenti e presagi di eventi tragici. L’intimo desiderio del pugile
di sottrarsi alla grande metropoli e ai duri impegni cui è soggetto uno
sportivo professionista, restandosene perciò nascosto in quella remota
località, si interseca con opposti piani di fuga, quelli di chi invece
da quel buco della provincia russa vorrebbe evadere a tutti i costi.
Niente di più facile che veder infrangersi sullo schermo molti di
questi sogni. In Mars si sommano tanti spunti originali, scene fantasmagoriche e
personaggi simpaticamente bizzarri. Ma in compenso il finale appare un
po’ tirato per le lunghe, così come altre parti del racconto tendono
ugualmente a sfilacciarsi, al punto che i momenti di maggior lirismo e i
siparietti umoristici più riusciti rischiano di rimanere impigliati
nelle maglie di un plot ora brillante, ora dispersivo.
dell’ambasciata
giapponese di Lima, occupazione iniziata il 17 dicembre 1996, durante la
quale i cosiddetti “terroristi” avevano sempre rispettato
l’incolumità degli ostaggi.
La
ricostruzione operata da Ellen Perry scorre su un doppio binario. Da una
parte si ripercorre, sfruttando il tanto materiale di repertorio, la
tormentata storia recente di un Perù monopolizzato dalla famiglia
Fujimori, con tanto di ex first lady ambiziosa trasformatasi in
avversario politico del marito. Come contrappunto di un passato tanto
ingombrante, The fall of Fujimori
ci presenta il dittatore nel suo dorato esilio giapponese, rifugio
scelto dopo che gi scandali lo costrinsero a riparare proprio nel paese
d’origine, che non solo gli ha dato asilo ma continua anche a
proteggerlo dalle richieste di estradizione provenienti dal Sudamerica.
La macchina da presa simula neutralità nel seguirlo ai convegni in suo
onore organizzati dalla destra giapponese, nel riprenderlo durante le
interviste, ma la sintassi implacabile del film permette ugualmente che
l’ignominia del personaggio esca fuori, anzi, fa ancora più rabbia
vedere il boia riverito dai suoi connazionali e pensarlo (incredibile
dictu!) in procinto di candidarsi alle elezioni del 2006 per la
presidenza del Perù, seriamente intenzionato a tornare lì come capo di
stato! Così va il mondo, ma non è così che dovrebbe andare.
Nella stessa America, ma dall’altra parte della barricata, incontriamo
però figure come Chomsky,
raccontarci in prima persona del suo viaggio nella martoriata terra
balcanica, ha lasciato la parola ad un prezioso testimone oculare: in
compagnia di Lombezzi vi era infatti un sopravvissuto serbo che poco
prima avevamo osservato sullo schermo con lo sguardo inquieto, al
momento di tornare nei pressi di quel tetro caseggiato che aveva fatto
da sfondo alla sua prigionia, e a quella di molti altri che purtroppo
non possono più raccontare la loro storia. Il lager in questione era
uno di quelli allestiti dalle milizie mussulmane, ma come sappiamo bene
i serbi non erano stati da meno, anzi... Ci è parso particolarmente
significativo che quest’uomo, nel rievocare quei giorni terribili e
nel rapportarli ad un presente troppo spesso cinico riguardo al recente
passato, abbia ammesso di avere un dialogo molto più umano con le
vittime di parte musulmana incontrate dopo la guerra, che con parecchi
dei “suoi”. Tutto sommato questo ci è sembrato naturale, ne abbiamo
avuto conferma assistendo ad un altro documentario, Russia/Chechenya:
Voices of Dissent di Carlo Nero. Quando nel film si accenna al
dialogo aperto da alcune madri di giovani soldati russi deceduti o
scomparsi nella piccola repubblica caucasica con alcune famiglie cecene
colpite da analoghi lutti, si ha la stessa sensazione: quella di
ascoltare la testimonianza di una comune opposizione alla guerra e alle
avventate decisioni di quei rappresentanti della classe politica, Putin
in testa, che tale conflitto lo hanno alimentato rifiutando qualsiasi
dialogo con la controparte. Le vittime di ogni dove sembrano quindi
parlare la stessa lingua. Anche i carnefici, purtroppo.
misura per favorire la visibilità di un certo
genere di espositori, ovvero per fare da amplificatore in primo luogo
alle voci di chi in Italia tenta una strada difficile, quella di un
cinema realmente indipendente, e che spesso non ha molte possibilità di
promuovere il proprio lavoro. Ed è così che ci siamo imbattuti, tanto
per fare un esempio, nello stand gestito da chi ha sostenuto prima la
realizzazione e poi il lancio di Fuori
vena: un film così fuori dagli schemi e libero da pregiudizi, nel
rapportarsi alla vita di strada, che nei diversi contesti in cui lo si
è potuto vedere, Locarno in testa, si è arrivati a parlare della
giovanissima Tekla Taddei come di una regista senza peli sulla lingua e
dotata di una grinta fuori dal comune. Se la nostra attenzione si è
quindi posata su un “caso” cinematografico le cui immagini fanno già
parlare, pur avendo avuto tale opera una circolazione limitata, diciamo
allora che si potrebbe scommettere in anticipo su un film che deve
essere ancora girato! La nostra, che potrebbe essere scambiata per una
folle sindrome di Nostradamus, è in realtà la semplice opinione
formatasi assistendo alla conferenza stampa di Shooting
Silvio, progetto da cui potrebbe sul serio nascere un cult. Perché
tanta sicurezza? Per spiegarlo basterebbe forse accennare ad un soggetto
che portato sullo schermo farà inevitabilmente discutere, o ad un
particolare sistema di auto-finanziamento che già di per sé è un
avvenimento affascinante. Ma non lo faremo. Vi lasciamo solo una
traccia, l’indirizzo del sito