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RECENSIONI:
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PRINCESS |
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REGIA: Anders MORGENTHALER |
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Le molteplici strade dell’animazione Il pregio dell'opera di Anders Morgenthaler, già presentata alla "Quinzaine des Réalisateurs" di Cannes e vincitrice del "Lancia Platinum Grand Prize" al Future Film Festival, è quello di dimostrare come non ci siano limiti a ciò che si può rappresentare attraverso l'animazione. Tramite i cartoni animati e la computer grafica si è soliti entrare in mondi paralleli o alternativi incontrando creature strane che la realtà non accetterebbe, dimenticando invece che tutto può essere filtrato dalla fantasia. Ecco quindi uno dei rari cartoni animati destinati a un pubblico adulto, addirittura con un fine di denuncia. La protagonista è una bambina che alla morte della madre pornostar viene affidata allo zio. Nella sua giovane vita la piccola ha subito violenze che, aggravate dall'assenza di un solido punto di riferimento affettivo, hanno finito per lasciare cicatrici fisiche ed emotive indelebili. Morgenthaler pare però non fidarsi del libero arbitrio dello spettatore e, temendone l'assenza di obiettività, finisce per forzarne il punto di vista. Alla bambina protagonista è infatti affiancato il fratello della madre, ex-religioso che si pone come scopo nella vita quello di vendicare l'infanzia violata della piccina che gli è stata affidata. A questo punto le cose si complicano e la mannaia di un moralismo tendenzioso finisce per inficiare l'obiettività del film. Se infatti la fragilità psicologica della bambina è descritta con sensibilità, non lesinando su pugni nello stomaco in linea con il destabilizzante vissuto della piccola, il delirio di vendetta del suo tutore, per cui si è portati dalla narrazione a parteggiare, inquina l'obiettività del risultato. Sembra infatti che il mondo della pornografia sia unicamente formato da gente abietta e senza scrupoli, pronta a sfruttare povere ragazze innocenti e a seviziare minori. La crociata del protagonista assume quindi i toni di una pulizia universale contro il Male. Da questo punto di vista il film si carica di ambiguità e tende a farsi tutt'altro che illuminante nello sciogliere i nodi della vicenda. Più interessante l'aspetto tecnico, che permette al mondo distorto vissuto dalla piccola protagonista, rappresentato insieme ai video girati dalla madre attraverso flashback in live action, di fondersi efficacemente con la realtà a cartoni in cui si trova a vivere. Un utilizzo del mezzo che si rivela molto più coraggioso del tutto sommato banale messaggio veicolato. Voto: 5,5 Luca Baroncini Fronte del porno
La pietra dello scandalo, dopo aver già alimentato vibranti discussioni a Cannes, ci è ricaduta pesantemente in testa a Bologna. Anche stavolta senza farci troppo male. Nel senso che Princess, il provocatorio lungometraggio d’animazione del disegnatore danese Anders Morgenthaler, pur aspirando a creare una situazione di disagio, lo fa ricorrendo a semplificazioni narrative tali da annullarne la carica eversiva. Anzi, più di un sospetto grava sulla truce storia di una giovane pornostar morta in circostanze non propriamente chiare, con la giovanissima figlia subito coinvolta dal fratello della vittima, sconvolto e in cerca di una possibile vendetta, nella spirale di violenze che invece di giovare alla bimba condurrà tutti alla rovina. Insomma, un tentativo di animazione “adulta” apprezzabile solo sulla carta, perché tanto il soggetto che le modalità scelte per rappresentarlo sanno un pochino di muffa. Tra corpi flaccidi e chiazze di sangue, lo stile stesso dei disegni vorrebbe forse scioccare. Ma, in realtà, l’interazione tra parti animate spinte programmaticamente oltre una certa soglia, e scene live action introdotte per raccontare situazioni tipiche del porno, finisce dopo un po’ per diventare meccanica, banale. Tutto ciò si trasforma così in semplice cornice per quella cruenta vendetta che, nella sostanza e nelle modalità rappresentative, si avvicina più che altro ai tristi stereotipi di un giustiziere anni ’80, fin troppo “reaganiano” nel suo modo di agire. Sì, è vero che l’autore nel presentarci il protagonista ha l’accortezza di distanziarsene, evidenziando, specie verso la fine, sia la natura psicotica del personaggio che l’esito infausto del suo piano. Eppure si ha l’impressione che una preoccupante forma di compiacimento contraddistingua non solo le eliminazioni dei personaggi implicati nella morte della ragazza, ma più in generale l’ostilità verso chiunque abbia a che fare col porno, ambiente spogliato qui di ogni possibile umanità e demonizzato come forse il solo Cardinal Ruini si sognerebbe di fare. Visto che in questo caso si parla bene o male di “cinema adulto”, vi sembra poi così sbagliato rimpiangere le sfaccettature più complesse abbozzate da Davide Ferrario in un film come Guardami, per dare vita ad un set pornografico e all’ambiente che vi gira attorno? L’accostamento potrà apparire azzardato, ma a nostro avviso segna tutta la distanza che c’è tra una autentica libertà espressiva, e il più trito moralismo. Voto: 4 Stefano Coccia |
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BARNYARD – IL CORTILE |
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REGIA: Steve OEDEKERK |
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La fattoria degli animali Che cosa ci fa una mucca con le sue mammelle ben in vista in un personaggio decisamente maschile? È quello che ci si domanda vedendo sia il protagonista, lo scansafatiche Otis, che il virile Padre Sam, dalla voce calda e profonda. La bizzarria, che resta senza risposta, evidenzia il taglio irriverente adottato da Steve Oedekerk, al suo debutto nel cinema d'animazione dopo aver diretto Jim Carrey nello scatologico Ace Ventura - Missione Africa ed essersi dilettato nella parodia delle arti marziali in Kung Pow!. Ma tutta l'allegra fattoria in cui è ambientata la vicenda gode di una caratterizzazione sui generis, con un contadino vegano e una sgangherata combriccola di animali da cortile che organizza feste da sballo, ordina pizze da asporto, ruba e guida l'auto dei vicini e fa surf tra i canyon. Se la cornice è trasgressiva, il messaggio veicolato non si stacca dal più classico dei conflitti risolto nel più convenzionale dei modi: quale sarà l'eredità lasciata da un padre virtuoso a un figlio degenere? Si può forse oziare e ridere per tutta la vita? Il cammino verso la responsabilità sarà irto di ostacoli ma ancora una volta il bene trionferà e i ruoli sociali saranno rispettati. Il punto di arrivo quindi non cambia, ma la via all'eroismo è più sfumata del solito. Se è vero infatti che il protagonista seguirà le orme del padre, finirà per farlo restando però fedele al suo approccio ludico alla vita. Ma al di là del pistolotto edificante e del soggetto non proprio innovativo (gli immancabili cattivi di turno sono dei coyote affamati), ciò che rende il film di Oedekerk un prodotto migliore della media è l'aria scanzonata che si respira. Il punto di forza della pellicola è infatti nel divertimento che trasmette, con un taglio trasversale in grado di compiacere tutte le età. Trovate geniali (come dimostrare che un cane non può essere un buon capo) si alternano a battute ad effetto in un ritmo rutilante che, pur con qualche digressione di troppo (la virata centaura), mantiene sotto controllo le coordinate del racconto arricchendo di brio la prevedibilità dei passaggi narrativi. Determinante per lo spasso del risultato l'essenzialità del tratto, i colori accesi e netti e l'animazione in grado di valorizzare le differenti personalità dei protagonisti. Voto: 7 Luca Baroncini |
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ORIGIN – SPIRITS OF THE PAST |
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REGIA: Keiichi SUGIYAMA |
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Natura o progresso? Lo studio Gonzo, specializzato nella produzione di serie per la televisione e il mercato home video, debutta nel lungometraggio con l'opera di Sugiyama Keiichi. Evocando atmosfere alla "Nausicaa" di Miyazaki, il racconto, ambientato in un futuro dalla connotazione medioevale, si concentra sullo scontro tra l'Uomo e la Natura. Da una parte c'è Agito, che rappresenta una società capace, attraverso il compromesso, di vivere in armonia con una natura violenta e devastatrice. Dall'altra c'è invece Toola, che si sveglia dopo essere stata ibernata per 300 anni e capisce di dovere seguire la volontà paterna finalizzata a dimostrare la superiorità della civiltà umana su tutto. La ricchezza del lungometraggio è nell'iniziale assenza di schematismi. Ogni personaggio ha una sua verità, con elementi condivisibili e altri contestabili. Non ci sono quindi la ragione e il torto nel conflitto messo in scena da Keiichi, ma una problematicità in grado di sollecitare domande senza forzare le risposte. La necessità di trovare una conclusione, però, porta la narrazione a dover identificare un cattivo per consentire ai due protagonisti di trovare un punto di contatto. L'unione delle forze bilancia la sceneggiatura, permette all'amore di trionfare, ma banalizza il risultato spostando l'equilibrio del contendere a favore di un ecologismo di maniera. A livello visivo, nell'agire dei personaggi, caratterizzati come i più classici anime giapponesi (occhioni, viso tondo e gambe a tronco), si alternano invenzioni gustose (la luna frantumata) a spunti meno originali (la contaminazione che trasforma il padre di Agito in un novello Tetsuo arboreo - i troppi combattimenti della parte finale). Da sfilata il prêt-à-porter post-atomic-chic dei protagonisti. Voto: 6 Luca Baroncini |
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THE GIRL WHO LEAPT THROUGH TIME |
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REGIA: Mamoru HOSODA |
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Back to the future L'omonimo racconto, scritto da Tsutsui Yasutaka nel 1965, in Giappone è un fenomeno nazionale, già portato sullo schermo varie volte. Non è un caso che la versione a cartoni animati di Mamoru Hosoda (regista di episodi di numerose serie televisive e scelto dallo Studio Ghibli per dirigere "Il castello errante di Howl" prima che Hayao Miyazaki accettasse di aderire al progetto) sia stata in patria uno dei più grandi successi dell'anno, sia a livello di pubblico che di critica. L'idea forte del film è l'utilizzo, per una commedia giovanile, di uno spunto solitamente applicato al genere fantascientifico. La protagonista è infatti una diciassettenne come tante che scopre per puro caso di riuscire, correndo, a viaggiare nel tempo. Anziché pensare in grande, però, la ragazza utilizza l'inaspettato talento per risolvere i suoi problemi quotidiani, prevenendo i dissidi familiari e la soluzione di prove scolastiche, migliorando i rapporti di amicizia ed evitando pericolosi incidenti stradali. Dove il fluire del tempo sembra meno determinante è nei rapporti affettivi, governati da una fatalità capricciosa che assoggetta l'amore a una sorta di predestinazione divina, immune dai calcoli e dalla razionalità. Un cammino che renderà la protagonista consapevole dell'importanza di ogni istante della vita. Se la teoria è affascinante, il risultato scorre piacevolmente ma con meno profondità delle aspettative. La causa è da ricercarsi nelle caratterizzazioni inclini allo stereotipo, nella ripetitività di gesti e situazioni (le continue corse a perdifiato della protagonista), ma anche nell'ambiguità dello stile adottato. L'apparenza leggera e chiassosa rischia infatti di essere interpretata come "sciocchina" (le insistenti gag legate alla goffaggine della protagonista non sono così spassose), così come la fumosità, probabilmente ricercata, di alcuni passaggi narrativi è a stretto confine con il "buco" di sceneggiatura (le poche domande che si pone la protagonista in relazione al dono prodigioso che ha; le regole su cui si basa l'andirivieni temporale; la presenza di un non meglio specificato quadro che sembra racchiudere il fulcro del racconto). Il compenetrarsi dei generi, la commedia e la fantascienza, getta quindi le basi a considerazioni filosofiche non prive di interesse, ma l’approccio originale non compensa un certo disequilibrio nel risultato. Voto: 6 Luca Baroncini A Better Today
Carpe diem. Tra i ricordi più belli di questa
edizione del Future Film Festival rimarranno senz’altro le forsennate
corse contro il tempo, o per meglio dire DENTRO IL TEMPO, della
simpatica e pasticciona Makoto. In questo caso conviene sbilanciarsi: The
Girl Who Leapt Through Time è effettivamente un piccolo capolavoro
dell’animazione, ed il fatto che risulti tra le più apprezzate
produzioni giapponesi di quest’anno depone ancora una volta a favore
della MadHouse, sempre in grado di riunire intorno ad un soggetto
affascinante e complesso la più qualificata equipe di animatori, capaci
a loro volta di sfruttarne fino in fondo le potenzialità. Qui a Bologna
si sono già svolte in passato anteprime utili al pubblico italiano per
fare conoscenza con nomi importanti del firmamento giapponese,
basterebbe ricordare il Satoshi Kon di Tokyo Godfathers. E adesso
è il turno di Mamoru Hosoda. Voto: 8,5 Stefano Coccia |
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STORMY NIGHT |
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REGIA: Gisaburo SUGII |
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Brokeback animal Cosa può unire la capretta Mei al lupo Gav? Sicuramente l'istinto di sopravvivenza, che rende la prima ottimo banchetto per il secondo. Ma l'omonima favola illustrata di Kimura Yuichi, molto famosa in Giappone, prevede un destino diverso per i due complementari protagonisti. Complice un temporale improvviso, infatti, la preda e il predatore trovano rifugio in una cascina. Il buio fa pensare a ognuno di trovarsi di fronte a un compagno della sua specie. Una volta scoperta la verità, però, i due proveranno a superare la reciproca diffidenza e a diventare amici. L'intesa che progressivamente si crea, a stretto confine con l'amore, ambisce a un luogo utopico in cui non ci sono leggi da seguire e dove i sentimenti possono esprimersi superando qualunque pregiudizio. Il microcosmo di appartenenza dei due animali, però, non è certo adatto per vivere relazioni non codificate. Se da un lato il gruppo protegge, infatti, dall'altro giudica inesorabilmente: sia la curiosità di Mei che la morbidezza di Gav finiranno per essere considerate pericolose e, quindi, combattute. Gli elementi per una passione melodramatica ci sono quindi tutti: la "diversità" dei protagonisti, il rifiuto da parte della società, la fuga, l'ombra del sacrificio e addirittura l'amnesia. Ma a peggiorare la situazione ci si mette un altro elemento, fondamentale data la natura dei personaggi: l'istinto. Gav non è erbivoro (come in una produzione americana finirebbe per diventare), e per mantenere il suo rapporto affettivo deve lottare costantemente con le proprie pulsioni fameliche. Con grande sensibilità il regista Sugii Gisaburo (animatore della Mushi Production e collaboratore per le serie televisive di Tezuka Osamu) porta avanti in modo razionale la irresolubile visceralità del conflitto, costruendo un'allegoria coinvolgente e problematica, capace di alternare, senza forzature, la lacrima al sorriso. L'eccesso di eventi, soprattutto nella seconda parte, rischia l'effetto ridondanza, ma lo stile della narrazione riesce sempre a trovare la necessaria levità. In linea con la delicatezza del racconto la semplicità dei disegni e la cura dei fondali. Voto: 7,5 Luca Baroncini Lupus et agnus… happy together!
Ecco a voi la difficoltosa amicizia tra una
capretta ed un lupo, nell’opera di un veterano dell’animazione
giapponese, Gisaburô
Sugii. Nonostante un evidente calo di tensione nella parte finale, Stormy
Night può essere annoverato tra le sorprese positive di questa
edizione del festival, in quanto fiaba cinematografica che senza
risultare eccessivamente retorica riesce ad esaltare amicizia e lealtà,
quali sentimenti cui viene attribuito il potere di annullare qualsiasi
predeterminazione sociale. Ma non è soltanto la ”morale” del film,
ovvio, a conquistare la platea. Lupi e caprette, che potevano condurre
il discorso animazione su sentieri scontati, si impongono invece a
livello di character design attraverso tipizzazioni piuttosto riuscite,
originali, dando così il là a soluzioni di regia quasi sempre
convincenti, da cui emerge di tanto in tanto qualche intuizione sopra la
media. Tale è ad esempio la sequenza dell’incontro notturno tra Gav,
il lupo, e Mei, la capretta, costretti entrambi da un violento temporale
a cercare rifugio in un capanno abbandonato. Il fatto che i due
potenziali nemici non possano vedersi, nell’oscurità, ma continuino a
parlarsi amichevolmente per tutta la notte, acquista pathos grazie al
bagliore improvviso di quei lampi, che illuminano per pochi istanti le
loro sagome immerse nel buio, offrendole così alle rapidissime zoomate
di Gisaburô Sugii. Altrettanto significative certe inquadrature che
ironizzano sul precario rapporto di amicizia che si stabilisce nei
giorni successivi tra il lupus e l’agnus dell’ insolita novella; il
primo, nel seguire la capretta sui tornanti di montagna che dovrebbero
condurli ad uno spiazzo panoramico bello da mozzare il fiato, sembra
intento più che altro ad osservare, con aria famelica, il fondoschiena
ondeggiante di Mei. Il fatto che entrambi gli animali siano di genere
maschile, l’ambientazione montana, e l’insistere del regista tanto
sullo sguardo estatico di Gav che sulle chiappe al vento di Mei, ha
suggerito a più di uno spettatore letture omoerotiche degne di un Brokeback
Mountain a cartoni animati! Tutto sommato ci può anche stare. Voto: 6,5 Stefano Coccia |
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ASTERIX E I VICHINGHI |
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REGIA: Stefan FJELDMARK e Jesper MØLLER |
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Un gradito ritorno Chi pensa che l'animazione tradizionale sia ormai obsoleta, si dovrà ricredere davanti alle nuove divertenti avventure di Asterix e Obelix. A rivitalizzare la saga, creata da René Goscinny e Albert Uderzo, ci pensano Jesper Møller e Stefan Fjeldmark, quest'ultimo già co-regista del riuscito Terkel in trouble, distribuito malamente in Italia nella scorsa stagione. Questa volta i due simpatici Galli devono vedersela con i Vichinghi, ma il fulcro della vicenda è nel tentativo di insegnare l'arte della guerra al pacifista Menabotte, nipote del capo del loro villaggio. La sceneggiatura affianca quindi l'avventura, risolta come al solito a suon di sganassoni, a un classico percorso di formazione che vede ancora una volta il pischello trasfomarsi in eroe, senza però che la sua personalità subisca tendenziose modifiche al testosterone. A Menabotte è affidato anche il ruolo di attualizzare la vicenda alla contemporaneità. Il giovane conosce infatti i balli di tendenza, ama la musica degli anni Ottanta e ha un piccione viaggiatore chiamato SMS che invia messaggi alle fidanzate picchiettandoli con il becco sugli alberi. Il contrasto che dà verve al racconto vede quindi i virili Asterix e Obelix alle prese con un ragazzo dalle motivazioni a loro ignote che sembra provenire dal futuro. Ovvio che la iniziale diffidenza si trasformerà poi in affetto reciproco. Al di là della storia, non certo originale ma ben condotta e piacevole, ciò che rende il film accattivante è la cura visiva. I protagonisti restano infatti fedeli al tratto dalle linee nette e dalle forme rotonde ormai entrato nell'immaginario e ogni personaggio gode di caratterizzazioni attente ai dettagli. Molto curata anche l'ambientazione e particolarmente fluida l'animazione, con la placida morbidezza di Asterix e Obelix efficacemente contrapposta al ritmo frenetico, ma non frastornante, dell'azione. Il felice risultato è frutto di una co-produzione franco-danese e ha richiesto 4 anni di lavoro, 1300 inquadrature diverse, più di 100.000 disegni e un budget di ben 22 milioni di euro. Scontato che l'obiettivo sia il mercato internazionale (non a caso la canzone dei titoli di coda è cantata da Céline Dion). Per una volta, però, la "grandeur" ha trovato un giusto compromesso, capace di aggiornare il “mito” ai tempi senza annullarlo in nome di una presunta commerciabilità. Voto: 7 Luca Baroncini C’era una volta la Gallia.
Fa un certo effetto doversi confrontare ancora
una volta con Asterix, scanzonato personaggio nato da un’intuizione di
René Goscinny e Albert Uderzo, che vollero piazzare lui, Obelix,
Panoramix, ed altri soggetti irresistibilmente buffi, tra gli strenui
difensori di una tribù gallica irriducibile all’invasione romana.
Ebbene, risulta davvero difficile, ameno per chi scrive, parlare del
pittoresco universo di Asterix senza provare nostalgia al ricordo delle
passate avventure, affrontate dal nostro eroe in spassosissimi
lungometraggi d’animazione quali Asterix e Cleopatra (1968) o Le
dodici fatiche di Asterix (1976). Voto: 5,5 Stefano Coccia |
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UNA PELÍCULA DE HUEVOS |
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REGIA: Rodolfo e Gabriel RIVA PALACIO ALATRISTE |
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Alegre Tortilla "Los Huevos Cartoons" sono cortometraggi messicani di animazione aventi come protagonisti alcune uova. Visto il successo ottenuto in patria i due creatori, Rodolfo e Gabriel Riva Palacio Alatriste, hanno deciso di sfidare la lunga durata. Il risultato è il divertente "Una pelicula de huevos" che gode di un soggetto tanto assurdo quanto esilarante: un uovo appena deposto sogna di diventare un pollo e lotta per non finire venduto al supermercato. Tra mille peripezie il suo sogno si avvererà, ma il cammino sarà molto difficile. Dovrà infatti affrontare un gatto famelico, la voracità di una famiglia mostruosa, il delirio di uno scuolabus pieno di bambini urlanti dall’interno di un cestino della merenda e i temibili abitanti di un rettilario. L’interrogativo immediato, che trova risposta fin dalle prime, spassosissime, gag è "come si può caratterizzare un uovo?" Sembra impossibile dare vita a un ovale privo di segni distintivi, eppure si ride fin da subito per via dell'antropomorfizzazione scelta dai registi. Ogni uovo, grazie all’aggiunta di gambe, braccia e bocca, può muoversi e parlare, dando la possibilità alla sceneggiatura di prendersi gioco, con simpatia e cinismo, delle debolezze umane. La caratteristica dell’estrema fragilità, comunque, viene rispettata e diventa l’ispirazione principale, e spesso il fatale punto di arrivo, di numerose sequenze. L'avventura, che include anche l'amicizia con una fetta di bacon, procede a ritmo indiavolato inanellando gag su gag, con qualche caduta dovuta al sovraccarico solo nella roboante seconda parte. Il modello di riferimento sono i cartoon Disney e, pur nella convenzionalità del risultato e in assenza di innovazioni stilistiche, il divertimento è assicurato. Sulle orme della Pixar, i titoli di coda prevedono qualche ciak sbagliato e alcuni gustosi fuori scena. Attenzione poi a non abbandonare ancora la sala: prima che si accendano le luci c’è ancora una sorpresa. Voto: 7 Luca Baroncini Piccolo grande uovo
Sicuramente
lo scanzonato lungometraggio diretto dai messicani Rodolfo e Gabriel Riva
Palacio Alatriste è stato quello accolto con più risate in sala, durante
il Future Film Festival di quest’anno. Nessuna sorpresa, considerando
che il film rappresenta una rielaborazione di sketch più brevi,
ribattezzati Los Huevos Cartoons, che a partire dalla loro
apparizione in internet hanno saputo calamitare l’attenzione del
pubblico per le disavventure, così “umane”, delle uova in questione.
I personaggi, rappresentati come ovetti dotati di bocca, occhi,
braccia e gambe, divertono i bambini ma sono diventati famosi anche
presso gli spettatori più grandicelli, che sanno apprezzare
lo spirito irriverente delle situazioni immaginate dagli autori. Voto: 7 Stefano Coccia |
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MCDULL, THE ALUMNI |
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REGIA: Samson CHIU |
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McDull colpisce ancora Alla terza puntata il maialino McDull, star di Hong Kong e ormai conosciuto anche in occidente, rende predominante ciò che negli episodi precedenti era solo marginale. Il lungometraggio è infatti realizzato con una tecnica mista che fa prevalere il live action sulle tinte pastello dei cartoni animati. Il contrasto serve per rendere ancora più stridente la differenza tra i sogni dell'infanzia, carichi di ingenuità e curiosità verso il mondo, e la realtà, schiava di regole sociali in cui c'è posto solo per la pragmaticità del quotidiano. Ma matita e attori non sono in contrapposizione, bensì facce della stessa insoddisfazione nei confronti di una società che mira a spersonalizzare l'individuo e a renderlo un mero strumento produttivo. La frenesia degli impegni, la competitività sul lavoro, l'infelicità, vengono affrontati da Samson Chiu in chiave allegorica attraverso gag che spingono con decisione sul grottesco, alcune riuscite, altre meno comprensibili, altre ancora troppo caricaturali per lasciare un segno. Uno dei temi affrontati è quello della realizzazione personale. Mentre i precetti culturali impongono all’individuo di diventare un pilastro della società e c'è chi ambisce alla professione di avvocato, il piccolo McDull, dagli obiettivi semplici e molto terreni, decide che l'unica cosa che vuole fare è non portare i pantaloni, per cui si presenta a scuola vestito da impiegata d'ufficio. Lo stesso disorientamento si riscontra nel mondo reale per chi sogna di lavorare come "disossatore di pollo tailandese", o di "fare le bolle del cappuccino" oppure il "commesso di lecca lecca". Spassosa la gag che vede la ragazza "laureata in barbecue" con "specializzazione in scodellatura del riso" trovare difficoltà al colloquio di assunzione quando le viene presentato un pollo da tagliare perché all'università il "taglio del pollo" era un corso opzionale. Di delirio in delirio, con il cibo spesso in evidenza, la sgangherata narrazione passa da una tavolata di duemila studenti che ordinano da mangiare emettendo suoni gutturali a una cameriera che ripete fedelmente gli stessi suoni (l'iterazione ossessiva è uno degli elementi caratteristici della serie), a un ristorante in cui quando ordini il “menù John Denver” la cameriera ti ringrazia "per il tuo apporto alla musica folk!". Ma c'è spazio anche per il canto delle verdure alla griglia, per una sonata di Chopin rimaneggiata per esaltare i prodigi delle salsicce Kee-Wah e per il capitano di una nave naufragata costretto a sacrificare (inutilmente) una propria chiappa per sfamare i superstiti. Non tutto ovviamente è in grado di aprirsi un varco nello spettatore, anche perché molte gag sono radicate nella cultura locale, e alla lunga il gioco perde in leggerezza, ma l'assurdità della sceneggiatura offre risate non prive di un apprezzabile retrogusto amarognolo. Peccato che il maialino Mcdull sia confinato solo in poche sequenze. Il tormentone, altro classico della serie, prevede questa volta un folle menù a base di "marmitte mongole". Voto: 6,5 Luca Baroncini |
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U |
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REGIA: Serge ELISSALDE, Grégoire SOLOTAREFF |
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Una vocale per amica "U" è un angelo custode, un po' amica, un po' confidente, che appare alla principessa Mona chiamata dai suoi lamenti (le dirà "Hai detto Uuuuuuuuu piangendo!"). L'aspetto è quello di un piccolo unicorno, ma è la pura fantasia a tenere le redini di un mondo apparentemente disomogeneo abitato da creature che combinano, senza una logica riconoscibile, la specie umana con quella animale. Oltre alla nasuta principessa ci sono gli sgradevoli Goomi e Monseigneur, dall'aspetto roditore, il musicista seduttore Kulka, un po' gattone, e il pacifico popolo degli strambi Wéwé. L'allegoria segue il passaggio dalla giovinezza all'età adulta della principessa soffermandosi con ironia e malizia sul nascere delle pulsioni, ma si abbandona a numerose digressioni che rendono il percorso narrativo spesso disorientante. Ciò che sfugge alla razionalità, e rischia di pesare, ha comunque una insolita fascinazione. Il merito è di uno stile molto personale, che accarezza il sogno pur tenendo ben presente la concretezza delle situazioni messe in scena, ma a incuriosire è soprattutto l'originalità del disegno. Le immagini sono infatti dipinte ad acquarello e si distinguono per la semplicità e lo spessore del tratto nel definire i contorni dei personaggi, con una dominante calda nei colori. Per dare vita alla loro particolare visione i due registi, i francesi Grégoire Solotareff e Serge Elissalde, hanno suddiviso la realizzazione del film, come sempre più spesso accade in Europa, in tre parti sparse per il mondo: le due più corpose a Shanghai e Kiev, e una terza ad Angouleme, in Francia, per la cura delle sequenze più delicate (tra cui quella del bacio). Nonostante la segmentazione il risultato finale mantiene armonia e grazia e si configura come una favola non irresistibile ma piacevole proprio per la sua atipicità. Voto: 6 Luca Baroncini U(ff)… Quanti sbadigli!
Per quanto l’impronta acquarellistica e la
naiveté dei disegni di Grégoire Solotareff, talentuoso artista
francese, siano più che apprezzabili, il film realizzato in sintonia
col regista Serge Elissalde non riesce ad appassionare più di tanto. La
principessa triste e la graziosa femmina di unicorno apparsa al suo
fianco per consolarla, così come la coppia di esseri ripugnanti cui
appartiene il castello e le creature dallo spirito libero che abitano
nei boschi, danno subito l’idea di una galleria di personaggi su cui
si sarebbe potuto lavorare meglio, concedendo maggiore freschezza al
racconto invece di congelarlo in sequenze statiche e dialoghi
eccessivamente prolissi e ripetitivi. L’idea era evidentemente quella
di ricreare l’atmosfera dei classici dilemmi adolescenziali,
descrivendo le insicurezze di personaggi sospesi tra momenti di euforia
e stati d’animo malinconici, ma il risultato è di una verbosità tale
che già si sopporterebbe a fatica nel più cerebrale e compiaciuto tra
i lungometraggi francesi di fiction, figuriamoci qui! Voto: 5 Stefano Coccia |
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LA TELA DI CARLOTTA |
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REGIA: Gary WINICK |
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Appeso a un filo Il libro omonimo di E.B.White è un vero must per l'infanzia nei paesi di cultura anglosassone e in tutto il mondo ha venduto più di 45 milioni di copie. Ovvio che l'industria cinematografica abbia fiutato l'affare. Il compito viene affidato a Gary Winick e punta sull'ormai rodato giochino di affidare le voci dei personaggi di sintesi ad attori famosi (tra gli altri Julia Roberts, Robert Redford, Steve Buscemi, Kathy Bates e John Cleese). A collegare il mondo virtuale degli animali parlanti con la realtà di un microcosmo rurale, la piccola Dakota Fanning, babi-diva di spaventosa determinazione e consumata bravura. Sollecitare la sospensione dell'incredulità spetta invece alle note riconoscibili ed evocative di Danny Elfman, con una colonna sonora a volte un po' ingombrante ma in grado di sottolineare con adeguata enfasi il racconto. Il risultato ha i limiti e i pregi dell' onesta trasposizione cinematografica di una favola: buoni sentimenti, messaggio edificante dagli intenti smaccatamente educativi, qualche risata e un accenno di lacrime. Forse tutto un po' troppo zuccheroso e senza ombre per poter davvero colpire il cuore indurito dello spettatore, ma sicuramente destinato più a un pubblico infantile che adulto. L'amicizia tra un maialino destinato al macello e un ragno virtuoso è comunque atipica e offre spunti di riflessione non banali sulla "diversità", su una grandezza legata più all'ingegno che alle dimensioni, sull'importanza della forza di volontà e sul potere della solidarietà. Determinante, dato il soggetto, la resa visiva degli animali parlanti e della loro interazione. Da questo punto di vista la computer grafica fa miracoli, ma resta il limite, oggettivo, di un protagonista (il maialino) e di un'ambientazione rustica troppo debitori nei confronti di "Babe - maialino coraggioso", tanto che sembra di assistere a un'ulteriore tappa delle sue avventure. Unica vera sfida, felicemente superata, la rappresentazione di sintesi del ragno co-protagonista, fedele ai movimenti aggraziati con cui si configura in natura e solo un poco ammorbidito nell'aspetto per renderlo meno minaccioso. Se tutto il progetto non fugge da una professionale convenzionalità, la vera magia è quella di potersi librare con leggerezza insieme al ragno e alla sua tela "parlante", mostrando la peculiare e insostituibile capacità del cinema di renderci, anche solo per un attimo, quello che non siamo. Voto: 6,5 Luca Baroncini Piano… piano, dolce Carlotta.
Allora,
premesso che il film può essere consigliato solo con una certa cautela
a chiunque soffra di accentuata “aracnofobia”, c’è da dire che la
visione di Charlotte’s Web potrebbe ottenere un effetto persino
terapeutico su tali soggetti. Al cinema, infatti, era successo
raramente, almeno fino ad ora, che si percepisse tanta sensibilità,
tanto “calore umano” (se ci è concessa questa espressione,
senz’altro poco appropriata alle circostanze…), al centro di una
ragnatela. Come descrivere questo amico ad otto zampe? Charlotte, il
ragno in questione, è un esemplare femmina la cui generosità, nel
momento in cui gli altri animali della fattoria cominciano invece a
defilarsi, fa sì che lei sia praticamente l’unica a preoccuparsi per
il destino del nuovo arrivato, il maialino Wilbur. Il porcellino,
destinato probabilmente al macello, trova infatti i suoi unici veri
sostenitori in lei, Charlotte, e nella figlia del fattore, una ragazzina
di nome Fern. Ma sarà proprio il ragnetto ad avere l’idea
giusta. Voto: 6 Stefano Coccia |
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BLACK JACK – THE TWO DOCTORS OF DARKNESS |
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REGIA: Makoto TEZUKA |
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Il mistero della vita Black Jack e il Dr. Kiriko guardano alla vita con occhi complementari. Il primo, oltre che uno dei personaggi più famosi creati da Tezuka Osamu, è uno straordinario chirurgo disposto a salvare vite umane in cambio di cachet altissimi. Il secondo è invece esperto nel praticare l'eutanasia, sempre a pagamento, per evitare la sofferenza a pazienti ammalati destinati a morte certa. Entrambi sono le facce di una stessa medaglia e cioè il senso dell'esistenza. Per fortuna il film non sceglie una tesi rispetto a un'altra ma sostanzia l'inquietudine di ambedue i personaggi. L'incipit è molto potente, con un salvataggio in extremis, enfatizzato dallo split-screen e sottolineato da note jazz, capace di attirare subito lo sguardo solleticando un punto di vista, parziale, sul protagonista. L'entrata in scena dell'alter-ego Kiriko mescola le acque e intorbidisce quello che sembrava un giudizio scontato. Dopo un innesto così efficace, però, e un episodio in cui il destino rende ancora più difficile consolidare un'opinione (una famiglia salvata da Black Jack e sottratta a Kiriko muore in un incidente stradale), la sceneggiatura limita l'azione allo spazio di un'isola, dove lo studio di un misterioso virus inizia a mietere vittime e a porre le basi di una futura guerra batteriologica. La narrazione cade così in uno stallo da cui non si rialza più e, moltiplicando i doppi giochi e il numero dei personaggi, perde per strada lo spettatore digiuno della serie televisiva originale, fino a una chiusa più roboante che significativa. Le immagini omaggiano lo stile dell'anime tratto dal personaggio creato da Tekuka 34 anni fa e si caratterizzano per la convenzionalità del tratto e l’animazione semplice. Voto: 6 Luca Baroncini |
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RENAISSANCE |
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REGIA:
Christian Volckman |
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Lo stile su tutto Il decor del film è davvero immaginifico, con una Parigi del futuro (la vicenda è ambientata nel 2054) che, pur conservando una perfetta riconoscibilità, è integrata con architetture avveniristiche di grande fascino (su tutte, la presenza di strade per i pedoni sopraelevate e trasparenti). Ma ciò che rende il film davvero unico è la tecnica scelta dal regista Christian Volckman, capace di trasformare ogni sequenza nelle pagine di un fumetto. Il risultato è infatti un ibrido molto interessante, con tutte le immagini costruite in computer animation che, grazie alla scelta cromatica netta e contrastata (un fulgido bianco e nero), sembrano in molti momenti bidimensionali. Nella magnificenza del risultato si muovono con estrema fluidità personaggi stilizzati, spesso ricalcati su attori in carne ed ossa tramite la motion capture e con le voci di star (tra gli altri Daniel Craig e Jonathan Pryce), attraverso scenografie accuratamente fotorealistiche. Purtroppo una tecnica così sofisticata e originale non trova adeguata materia narrativa di cui cibarsi. La storia, infatti, si limita a riciclare epigoni illustri fondendo con poco estro noir e fantascienza. C'è il "duro" di turno alle prese con il "grande fratello" di turno, nel caso specifico la società Avalon che controlla la vita delle persone e promette l'eterna giovinezza. E non manca la "bella" di turno, sorella di una scienziata misteriosamente rapita. La manipolazione genetica è dietro l'angolo, e tra inseguimenti, omicidi e depistaggi, un esperimento insabbiato farà emergere la verità. Tutto confusamente accumulato in una sceneggiatura farraginosa che appesantisce il film penalizzandone l’impatto nonostante la incontestabile bellezza, decisamente sopra la media, dell'impianto visivo. Voto: 7 Luca Baroncini Parigi cyberpunk Dopo
le “rotoscopiche” visioni di Richard Linklater (Waking Life, A
Scanner Darkly) e dopo Sin City di Robert Rodriguez e Frank
Miller, arriva il film che per quanto concerne simili esperimenti
costituisce già un approdo importante, tanto a livello tecnico che a
livello estetico. L’integrazione tra riprese dal vivo e animazione
digitale raggiunge qui esiti particolarmente seducenti e sbalorditivi.
In questo caso i movimenti degli attori sono stati ripresi con la
tecnica sempre più in voga del Motion Capture, che ha permesso poi di
trasferirli sul piano dell’animazione, caratterizzata nella
circostanza dalla scelta di un bianco e nero fortemente contrastato. Voto: 8 Stefano Coccia |
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ARTHUR E IL POPOLO DEI MINIMEI |
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REGIA: Luc BESSON |
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In fondo al suol... Luc Besson è l'uomo dei contrasti e delle sfide. Dopo il fiacco e minimale Angela-A resta nei toni della favola ma torna alla grandeur e dà vita a un nuovo mondo a pochi passi da quello reale. Basta infatti scendere di qualche metro nel sottosuolo per entrare in contatto con il popolo dei Minimei, inventati da Céline e Patrice Garcia e portati al successo dallo stesso Besson che ha scritto i primi due volumi della serie, già tradotti in 34 lingue e con un milione di copie vendute solo in Francia. L'investimento colossale (65 milioni di euro), i cinque anni di lavoro, il cast sontuoso (Madonna, David Bowie, Robert De Niro) e la cura maniacale dei dettagli, rendono il prodotto commercialmente competitivo e in grado di aprirsi un varco nel mercato mondiale, ma il sense of wonder delle intenzioni affiora solo a tratti. Se infatti le premesse in live action, pur nel luogo comune, ben dispongono alla meraviglia, con il malinconico e intraprendente Arthur che si mette alla ricerca di un tesoro per risolvere i problemi economici della nonna, gli sviluppi in computer grafica si limitano a stordire. È proprio il mondo dei Minimei, fulcro del racconto, a non convincere, perché la stessa storia di sempre viene soffocata dalla voglia continua di stupire, con un ritmo inutilmente febbrile che affianca, già pensando al videogame, difficoltà senza sosta e mordente. Le trovate originali sono infatti pochine e il percorso di Arthur si affida a coordinate risapute e stantie. Il problema è anche nei personaggi, ammansiti da caratterizzazioni troppo schematiche per attirare nel racconto: dal protagonista catapultato in un universo sconosciuto che non si perde mai d'animo e supera con disinvoltura ogni difficoltà, alla ragazzina dura e tosta che lo accompagna. Un'omologazione narrativa che evidenzia il problema maggiore delle opere di animazione attualmente in circolazione: sembra di vedere sempre lo stesso film. Sostituendo i Minimei con i topolini, l'avventura di Arthur è quasi identica a quella di Roddy, protagonista di Giù per il tubo. Discorso a parte per la resa visiva dei personaggi. Se Arthur trova una felice rappresentazione nel suo alter-ego Minimeo, gli altri gnomi non godono di altrettanta espressività, dalla vitrea Selenia al cattivissimo Maltazard, troppo simile al Viceré Nute Gunray della nuova trilogia di Guerre Stellari. La fedeltà a un immaginario consolidato (o colonizzato?) lascia aperto un interrogativo: perché ancora una volta scimmiottare il cinema americano anziché personalizzare? Ennesima dimostrazione di come la perizia tecnica, fondamentale, non sia però sufficiente per creare un universo che non sia solo vendibile, ma anche magico e capace di coinvolgere. Voto: 6 Luca Baroncini Oltre il giardino… Non si sa mai da che
verso prenderlo: basta guardare alle prestazioni registiche di Luc
Besson degli ultimi dieci anni, e ancor di più alle sue uscite in
qualità di sceneggiatore e/o produttore, perché più di un timore si
faccia strada, non ultimo quello che il francese finisca col prendersi
troppo sul serio. Ci dovesse scappare un’altra Giovanna
d’Arco! Ma anche quando il tono si alleggerisce, i rischi non
sono aboliti. Già, perché allora potrebbe scattare in lui un’altra
tentazione, quella di rivisitare il cinema di genere americano
gingillandosi con dialoghi da liceale in calore, in contesti dove bulli
& pupe continuano a provocarsi verbalmente, lanciandosi occhiate
languide tra un inseguimento e l’altro. Il problema è che tutto
questo poteva funzionare una decina di anni fa, quando regista e
spettatore avevano ancora voglia di giocare insieme, arrivando magari ad
emozionarsi per un pomeriggio intero di balle spaziali. Se raccontate
bene, s’intende… Ed infatti Il quinto elemento
rimane, almeno per chi scrive, uno dei migliori Besson di sempre, da
buon giocattolone sci-fi variopinto e carnevalesco quale
indubbiamente è: senza particolari pretese sul piano narrativo (e meno
male, in questo caso…), ma con doti di ritmo non trascurabili, qualche
soluzione visiva originale, l’apprezzabile tentativo di rimodellare
ironicamente un certo immaginario fantastico, e alcuni interpreti
visibilmente divertiti dal far parte dell’allegro carrozzone.
Purtroppo, la stessa freschezza raramente ha fatto capolino nei progetti
successivi. Fino allo scialbo Angel-A, dove un bianco e
nero degno del più lezioso spot mai dedicato a un aperitivo accoglieva
i due protagonisti, coppia bizzarra in trama risibile, nello sfondo da
cartolina di una Parigi mai così noiosa. Trattavasi però di un
intermezzo low budget, perché Luc Besson era al lavoro già da tempo su
un progetto ben più ambizioso, la versione cinematografica di una serie
letteraria per l’infanzia da lui scritta in collaborazione con Céline
e Patrice Garcia, cui si devono rispettivamente l’idea e le
illustrazioni di Arthur et les Minimoys. Voto: 6,5 Stefano Coccia |
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BATTLESTAR GALACTICA - Battaglie nella galassia |
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REGIA: Richard A. Colla |
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Una Caporetto di proporzioni cosmiche! E l'astronave è già passata e
tu dov'eri? Anno
7000? No grazie, troppo difficile da immaginare. Pensiamo invece al
1978, anno in cui venne realizzato Battlestar Galactica (Battaglie
nella galassia), episodio pilota di una serie televisiva di discreto
successo, qui adattato per il grande schermo. Complice la sete di
fantascienza ad alto contenuto spettacolare tipica di quegli anni, si può
dire che l’operazione ottenne il suo scopo, anche considerando che di
lì a poco sarebbe approdato al cinema un seguito, Galactica:
l’attacco dei Cylon, sempre concepito come crasi di più episodi
della serie televisiva. Del resto è facile ricollegare l’ispirazione
dei creatori di questa nuova saga ad una scia, senz’altro feconda,
quella tracciata dalla nascita di Star Wars e del suo mito,
evento di poco antecedente. Voto: 5,5 Stefano Coccia |
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BATTLE BEYOND THE STARS - I Magnifici Sette nello Spazio |
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REGIA: Jimmy T. Murakami |
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Attenti a quei sette Pianeta terra, parla albatros Di cose rimarchevoli se ne possono rintracciare
parecchie in questo delizioso B-movie, nato produttivamente parlando da
una felice intuizione del solito Roger Corman. Ed infatti spulciando il
cast tecnico di Battle Beyond the Stars (I magnifici sette
nello spazio) spunta fuori addirittura il nome di James Cameron (qui
accreditato come Jim Cameron), già allora uno dei più promettenti tra
i tecnici degli effetti speciali attivi nella scuderia cormaniana. Ma ad
una immagine in particolare è assolutamente impossibile non
affezionarsi: quella dell’indimenticabile George Peppard, nelle vesti
sgualcite di un mercenario a spasso tra le stelle! Con tanto di
astronave battente bandiera Confederata, il “sudista” dello spazio
se ne va in giro per tutto il film con un’aria scanzonata, la boccetta
di whisky sempre a portata di mano e un’armonica a bocca da tirare
fuori nelle occasioni speciali. Voto: 7 Stefano Coccia |
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FULLMETAL
ALCHEMIST - Conqueror of Shamballa |
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REGIA: Seiji Mizushima |
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Alchimia, unica via Il neofita rimane inevitabilmente suggestionato dalla felice commistione di elementi che caratterizza Fullmetal Alchemist – Conqueror of Shamballa, un riuscito mix di fantasy e di allusioni alla storia del novecento, qui rivisitata con un’attenzione iconografica a certe realtà mitteleuropee che a tratti potrebbe anche ricordare Miyazaki; senza poi trascurare gli elementi che possono suggerire un generico accostamento all’Otomo di Steamboy e Cannon Fodder, sia per il gusto di talune ambientazioni che per le dinamiche dell’azione. Eppure, detto questo, non si può nascondere quanto il neofita sia destinato a rimanere spaesato. Non perché il racconto sia strutturato male, o povero di idee, al contrario le sorprese non mancano e gli incastri tra differenti piani spazio-temporali funzionano in modo sempre assai stimolante. Il problema, piuttosto, è che questo lungometraggio d’animazione presuppone, almeno in taluni passaggi, una confidenza con i personaggi e con il loro background, che solo i cultori della serie animata e dei manga cui è strettamente legato possono vantare. I retroscena relativi al ruolo di numerosi personaggi, con in primo piano due fratelli spinti da una serie di avventurose circostanze in mondi paralleli, emergono a sprazzi dalla trama, senza riuscire però a fare chiarezza su tutto, perché troppi sono i sottintesi che solo chi ha seguito l’evolversi della saga può comprendere pienamente. Gli altri non rimangono comunque esclusi dai giochi, perché il contesto illustrato da Fullmetal Alchemist – Conqueror of Shamballa abbonda di riferimenti affascinanti. Oltre alla curiosa rappresentazione della Germania anni ’20, con società esoteriche che complottano appoggiando clandestinamente Hitler e il nazismo (qui il richiamo ad organizzazioni realmente esistite è tutt’altro che peregrino) e che in questo ipotizzano addirittura l’invasione di paesi situati in altre dimensioni, degna di nota è l’attività dei cosiddetti “Alchimisti di Stato”. Il mondo parallelo descritto nell’intera serie di Fullmetal Alchemist è infatti una realtà stravolta, dove al progresso tecnologico si è accompagnato nel tempo uno studio dell’alchimia decisamente avanzato, grazie al quale taluni soggetti hanno ottenuto grandi poteri. Anche a livello di animazione, di descrizioni visive, il confronto tra i personaggi dotati di tali poteri risulta molto spesso fantasioso e avvincente. Voto: 6,5 Stefano Coccia |
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GIRL
OF TIME - Toki o kakeru shôjo |
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REGIA: Nobuhiko Obayashi |
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Sospesi nel tempo Il motivo per cui gli organizzatori del Future di Bologna hanno voluto riproporre questo lungometraggio di Nobuhiko Obayashi, datato 1983, appare abbastanza evidente: trattasi di uno dei più noti adattamenti cinematografici del bel racconto scritto da Yasutaka Tsutsui nel 1965, racconto che recentemente ha ispirato anche The Girl Who Leapt Through Time, l’apprezzatissimo lungo di animazione targato MadHouse. Proiettato durante la serata conclusiva del festival, Girl of Time ha sorpreso quel pubblico che non si era mai confrontato con l’autore, grazie ad un mix davvero irresistibile di fantasiose trovate e momenti assolutamente ingenui, per non dire trash; difficile sostenere che l’espressione appaia esagerata, in rapporto a quel finale nel quale la protagonista Tomoyo Harada, all’epoca stellina nascente del pop e del cinema giapponese, si produce in una sorta di scombiccherato videoclip! Eppure, nonostante la recitazione a tratti acerba e certi dialoghi improbabili facciano il resto, non ci si lasci ingannare: la fiction cinematografica di Nobuhiko Obayashi è, come sempre, una miniera di invenzioni narrative e stilistiche accompagnate da grande libertà espressiva, ed in questo assolutamente godibili. La compenetrazione di elementi fantastici, pulsioni adolescenziali e quotidianità, riprodotta ottimamente anche in questo film, ha rappresentato negli anni ‘80 il suo marchio di fabbrica, come ebbero occasione di constatare gli spettatori della retrospettiva presentata a Roma, un bel po’ di tempo fa, dall’Istituto di Cultura Giapponese. Oltre allo stesso Girl of Time vi fu modo di vedere altre pellicole, tra cui i precedenti lungometraggi Hausu (The house, 1977) e Tenkosei (Exchange Students, 1982). Una costante nelle opere di Obayashi è la grande spregiudicatezza formale, abbinata al gusto per il fantastico, che consente a film come Girl of Time di collezionare brevi inserti animati, effetti speciali di sapore artigianale, ed intere sequenze organizzate visivamente alla maniera di un collage. Tutto questo per raccontare, nel caso in questione, la singolare odissea di una liceale giapponese che insieme alla possibilità di viaggiare nel tempo scopre anche l’amore, grazie alla presenza “under cover” di un ragazzo proveniente dal futuro. Voto: 7 Stefano Coccia |
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HELLO
KITTY STUMP VILLAGE |
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PAESE: Giappone – Corea del Sud, 2006 |
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Voglio andare a vivere in campagna. Miao! A vederlo da lontano assomiglia un po’ al villaggio dei Puffi. E in fin dei conti i paciosi abitanti di Hello Kitty Stump Village (Il villaggio di Hello Kitty) condividono spesso e volentieri il particolare destino degli esserini blu: ovvero finire sulle cartelle, i diari e i quaderni degli scolari di mezzo mondo! Accantonando per un attimo l’ironia che operazioni del genere tendono inevitabilmente a suscitare, ci troviamo con nostra grande sorpresa ad ammettere che dall’accordo tra i giapponesi della Sanrio, proprietari del marchio, e i coreani di Studio Tomorrow, realizzatori della nuova serie animata, è uscito fuori un prodotto più che dignitoso. Hello Kitty, My Melody e gli altri animaletti del gruppo, fatti agire in uno scenario bucolico rappresentato con la giusta freschezza e colori vivaci, danno vita a esili avventure che sicuramente sapranno coinvolgere i più piccini, avvalendosi peraltro delle risorse espressive di un’animazione a passo uno condotta con molta perizia. Gli episodi di Hello Kitty Stump Village si distinguono perciò tanto per l’abilità con cui vengono animati i pupazzi in questione, che per lo spirito quasi pedagogico con cui sono introdotte le azioni dei personaggi, graziose creature non immuni da piccoli litigi e ripicche infantili, ma sempre pronte a ricucire i rapporti con un pensiero gentile. Ed è frequente che questo pensiero si concretizzi in qualche stravagante regalo costruito con le proprie mani da Hello Kitty o da qualcun altro dei suoi amichetti; il che manifesta anche, volendo, uno stimolo verso la manualità da non trascurare, trattandosi di lavori d’animazione rivolti prevalentemente ad un pubblico di bambini in tenera età. Ma qualche adulto disposto ad emozionarsi, di fronte alle piccole amenità di questo mondo idilliaco, lo si può sempre trovare… vero, Coccia? Vero, Baroncini? Voto: 6 Stefano Coccia |
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THE
BOONDOCKS |
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PAESE: Usa, 2005 |
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Black or nigger? A
Bologna ne sono state presentate solo alcune puntate, ma su certi canali
televisivi la serie fa già tendenza, e non mancano neppure gli
estimatori della prima ora, quelli che si leggevano le strip su Linus o
in altre raccolte. Stiamo parlando ovviamente dei Boondocks e
della loro dirompente rivisitazione dell’ “american way of life”. Voto: 7 Stefano Coccia |
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